Historia I – Barroco

Este es el resumen de la clase sobre Barroco que trabajamos en base al libro de Carlos Bembibre “Del Barroco al Rococó: indumentaria, encajes y bordados”.

Podemos analizar la evolución del traje durante el siglo XVII y principios del XVIII tomando cada uno de los reinados franceses como una etapa con sus características propias.

Enrique IV y minoridad de Luis XIII 1589-1617

El traje continúa teniendo un estilo nacional en Europa, con sus principales exponentes en Francia, España e Inglaterra.

El estilo español se caracteriza por ser es el más conservadora diferencia del francés que es el más moderno y exhuberante. Conviven algunos elementos tradicionales con otros más novedosos, en la imagen anterior se muestran como ejemplo los distintos modelos de cuello.

Elizabeth I gobierna Inglaterra hasta su muerte en 1603, influenciando fuertemente el estilo femenino de los primeros años del Barroco.

Es importante entender el contraste entre el traje inglés y el español, las diferencias en la silueta son significativas y muy notables en la forma que cobra la falda, cilíndrica o cónica, de acuerdo al estilo de armazón que lleven para ahuecarla.

La imagen que sigue muestra un corset francés de fines de siglo XVI, consiste de 3 piezas rígidas de hierro articuladas con bisagras laterales. Se forraba con textiles pesados y resistentes y se llevaba sobre una camisa que era la primera piel.

Luis XIII 1617-1643

Se conoce a este período de la historia del traje con el nombre de “estilo mosquetero”.

Durante el reinado de Luis XIII se consolida el rol de Francia como árbitro de la moda europea.

Si bien los zapatos no se abandonan totalmente, las botas son las favoritas debido a la gran influencia militar en la vestimenta civil.

La gorguera desaparece por completo dejando lugar al cuello de banda caída.

La silueta femenina pierde la rigidez geométrica de la etapa anterior y se caracteriza por la superposición de prendas superiores, faldas y vestidos en tonos contrastantes dispuestos teatralmente sobre el cuerpo.

Los escotes son cada vez más pronunciados y pueden cubrirse parcialmente con pañuelos translúcidos o con la misma camisa que se lleva debajo. Las mujeres sólo llevan sombrero en el exterior, tanto para montar a caballo o para situaciones relacionadas con la caza.

Recordemos que los niños visten igual a los adultos.

Luis XIV 1643-1715

Contraste entre la corte francesa (izquierda) y la corte suiza (derecha). Lo mismo sucede con la corte española en la imagen siguiente.

El cabello de lleva largo o se usa una peluca larga y rizada. Se priorizan los zapatos por sobre las botas.

Al cuello de banda caída se superponen el jabot y la cravat.

Los cambios en el traje femenino son menores. Se impone un nuevo escote con forma de bote y el peinado de moda con rizos y recogido a los lados se denomina a la sevigné

Vimos como ejemplo de vestuario en cine algunas imágenes de la película “La Favorita” dirigida por Yorgos Lanthimos con vestuario de Sandy Powell, en la que se retrata a la Reina Anne de Inglaterra a principios del siglo XVIII.

Les dejamos algunas resignificaciones en comparación con las imágenes de época para poder analizar cómo algunos diseñadores reinterpretan los conceptos barrocos

Historia II – Clase años 30

En esta clase analizamos el periodo comprendido entre la caída de la Bolsa de Wall Street y la Segunda Guerra Mundial

En la tapa de la revista Vogue de 1932 podemos apreciar como vuelven a valorarse las curvas femeninas y se abandona la silueta geométrica al estilo Garçonne

Los estilos de las actrices de Hollywood tienen gran influencia ya que, a pesar del contexto de crisis económica, pueden imitarse los peinados y el maquillaje.

La línea de hombros suele ser el foco de atención, tanto en prendas sastreras con hombreras y otros recursos que generan hombros bien rígidos, como en vestidos de noche con formas blandas construyendo grandes volúmenes.


Una de las diseñadoras más destacadas del período es Madeleine Vionnet, responsable de la nueva técnica de corte al bies. Vionnet contruye sus trajes directamente sobre el cuerpo o el maniquí, logrando que las prendas se adapten a la silueta y no al revés. Valiéndose de pliegues y drapeados, sus trajes recuerdan al peplo, kitón e himation de la Grecia Clásica.

Otra diseñadora de gran importancia es Elsa Schiaparelli que, a diferencia de Vionnet que se destaca por su desarrollo en cuanto a la forma y técnica constructiva de las prendas, es responsable por la estrecha relación entre vanguardias artísticas y moda.

Schiaparelli trabaja con artistas como Man Ray, Jean Cocteau y Salvador Dalí. Sus prendas son extravagantes y revolucionarias. Es una de las pioneras en resignificar materiales en tiempos de escasez, usa celofán para sus bordados y botones de cerámica imitando aspirinas. Lo mismo hará con los estampados, tomando motivos ordinarios de la vida cotidiana como textos de diarios o fósforos.

En 1936 el rey Eduardo VIII abdicó a la corona británica por amor a Wallis Simpson, una americana dos veces divorciada lo cual generó terrible escándalo.

duque de windsor

“Los retratos de boda –que como cabía esperar, teniendo en cuenta que el novio era el primer rey de Inglaterra en renunciar a su empleo, dieron la vuelta al mundo– los disparó Cecil Beaton. […] Wallis, para distinguirse de la aburridísima familia real británica, se vistió con piezas de la noble italiana surrealista Elsa Schiaparelli. Un vestido, en particular, llamó la atención de todos. La pieza –de chifón blanco, escote cuadrado y tirantes– tenía estampada una gamba dibujada por Salvador Dalí en la entrepierna” extracto de la nota Cómo Cecil Beaton obró el milagro de convertir a los Windsor en carismáticos del diario El País.

A continuación les dejamos un link al documental comentado en clase que relata la rivalidad entre Coco Chanel y Elsa Schiaparelli

En el calzado también se emplean materiales no convencionales, como las placas de corcho que integran la plataforma de la sandalia creada por Salvatore Ferragamo.

Debido a la crisis económica se reduce muchísimo el uso de los bordados, dando protagonismo a las telas estampadas con motivos pequeños y sin “pie” que facilitan la yuxtaposición en cortes complejos y no tienen demasiado desperdicio.

Schiaparelli | Haute Couture Spring Summer 2020

Historia I – Grecia

Acá les dejamos un resumen de la clase del último martes

“Lekythos con mujeres tejiendo lana y una mujer flanqueada por jóvenes y doncellas.
Se cree que este lekythos (frasco de aceite) fue encontrado junto con otro, también conservado en el Museo, cuyo tema es una procesión nupcial en la que una novia es llevada de noche a la casa del novio. Quizás las dos vasijas eran regalos de boda que acompañaron a la desposada en su tumba. Aquí se ilustra en detalle la manufactura de tejidos, una importante tarea doméstica, con especial énfasis en un telar vertical. A ambos lados del telar unas mujeres pesan e hilan lana, y doblan piezas de tela. Estas escenas tienen lugar en la parte de la casa reservada para las mujeres”  en colección de MET New York

Resignificaciones de los primeros años del Siglo XX

Resignificaciones en colecciones de los últimos años

Historia II: Belle Époque 1890 – 1914

Acá les dejamos una selección de imágenes y videos de la clase que comprende los años 1890 – 1914, período conocido como Belle Époque

El estilo de la vestimenta femenina en las grandes ciudades occidentales se basa principalmente en el desarrollado en Paris.

Charles Frederick Worth es el modisto inglés que lideró la moda parisina durante la segunda mitad del Siglo XIX, bajo el dominio de Napoleón III. Vistió entre otras figuras muy relevantes a la española Eugenia de Montijo, emperatriz de Francia (esposa de Napoléon III). Charles estableció su casa “House of Worth”, donde preparaba una variedad de diseños que presentaba en vivo a sus clientas, lucidos por modelos. A partir de esta muestra las clientas seleccionaban las piezas de su interés para ser posteriormente confeccionadas a medida en el atelier. Luego del fallecimiento del fundador en 1895 “House of Worth” continuó exitosamente con su producción a cargo de tres generaciones familiares hasta su cierre en 1952.

Tanto en la silueta como en la ornamentación de los trajes y accesorios vemos una fuerte influencia del Art Nouveau, el estilo artístico y decorativo predominante durante la Belle Époque francesa. Este movimiento también tiene lugar en otros países, y si bien comparte muchas características formales con el estilo francés, desarrolla también sus particularidades así como su propio nombre: Modernismo en España, Secession o Jugendstil en Austria y Alemania, Liberty en Italia. Pueden acceder a más información sobre este tema en nuestra publicación Siglo XIX reformas en diseño

Estamos en la era de oro de las tiendas departamentales o grandes almacenes situados en las principales ciudades europeas y de Estados Unidos. La demanda de estas tiendas se debe a la creciente población urbana de clase media próspera que puede acceder con inmediatez al consumo de productos de cierto lujo que gracias a la industrialización comienzan a ser producidos en masa. Algunas de estas tiendas, entre muchas otras, son Le Bon Marche en Paris, Bloomingdale’s en New York y Harrod´s en Londres.

Una muestra de la expansión de esta manera de comercialización podemos encontrarla en Buenos Aires, donde en 1914 se inaugura la sede porteña de Harrod’s que estuvo abierta al público hasta finales de los años noventa. Podemos ver el interior de esta gran tienda, situada en la calle Florida muy cerca de la estación Retiro, en escenas de la película ¨La vendedora de fantasías¨ (1950) dirigida por Daniel Tinayre y protagonizada por Mirtha Legrand.

Esta creciente sociedad urbana también empieza a tener gran interés y acceso a la práctica de variados deportes como recreación, dando lugar a trajes que irán adquiriendo lenguajes específicos para cada disciplina.

¨Un nuevo y shockeante tipo de mujer está emergiendo: la mujer deportiva¨ anuncia el locutor en el siguiente video que registra estas prácticas en Paris a comienzo de siglo.


Entre las mujeres que shockean a los sectores conservadores de la sociedad se encuentran también las actrices, las bailarinas, las artistas y casi toda mujer de ideas modernas que quiera desarrollarse en alguna profesión. Esta situación está muy pronta a modificarse ya que el rol femenino en el espacio social y laboral va a cambiar drásticamente durante y después de la Primera Guerra Mundial. Podemos citar como ejemplo de estas mujeres vanguardistas a la actriz Sarah Bernhardt, la escritora Colette y la diseñadora Emilie Flöge.


Sergei Diághilev, ideó todo un microcosmos vanguardista dentro de la corriente modernista y orientalista de principios de siglo XX, renovando el ballet, la danza y la coreografía por medio de los Ballets Rusos. Su gran influencia alcanzó a la moda y a las artes decorativas de la época, reuniendo a los mejores y más novedosos artistas contemporáneos, convirtiéndose en un fenómeno social y cultural, cuyo legado aún sigue existiendo hoy en día. Teresa Montiel Alvarez (2016). Sergei Diághilev, La renovación del ballet. ArtyHum. Revista de Artes y Humanidades, 24 93-104.


Finalizamos con algunas resignificaciones de estos estilos durante las primeras décadas del Siglo XXI

 

Danza y Moda

La danza en la corte francesa – orígenes del ballet
ANONYME FRANÇAIS ( XVIe siècle)Bal à la cour des ValoisVe...

Bal à la cour des Valois (c.1582) Caulery

El ballet y la ópera comenzaron en el siglo XVII, como elaborados espectáculos diseñados en las cortes europeas a modo de entretenimientos extravagantes, utilizados para celebrar matrimonios o mostrar la riqueza y el poder del gobernante. Con actuaciones que eran una mezcla entre palabra hablada, música, danza y pantomima, desarrollaban procesiones ceremoniales con espectaculares efectos técnicos y trajes extravagantes. Las historias se inspiraban en los mitos de la antigua Grecia y Roma o se basaban en temas como las cuatro estaciones, el mundo natural o las tierras extranjeras.

Los trajes eran ingeniosos y fantásticos, decorados con símbolos que ayudaban al público a reconocer a los personajes de la historia. El movimiento a menudo estaba limitado por el tamaño de estos trajes. Originalmente los ballets de la corte fueron protagonizados por la aristocracia y la realeza en las habitaciones y jardines de sus palacios. Los bailes se basaban en las danzas sociales de las cortes reales, con elegantes movimientos de los brazos y la parte superior del cuerpo, y elaborados patrones de piso.

Luis XIV como Apolo en Ballet de la nuit 1653 – By Henri de Gissey

El rey Luis XIV de Francia, conocido como el Rey Sol, encarnó al dios Apolo en Le Ballet de la Nuit (El Ballet de la Noche) a la edad de 15 años.

La lezione di danza 1741 c. – Pietro Longhi

Estos enormes espectáculos ayudaron a mantener a los cortesanos entretenidos la vida en la corte podía ser monótona y aburrida, y saber bailar era un logro social necesario.

Eventualmente se hizo imposible para los bailarines aficionados alcanzar los estándares exigidos por los maestros y compositores de baile, y entonces las tradiciones del ballet y la ópera se separaron comenzando a desarrollarse de forma independiente, hasta que en 1661 se estableció en Francia la Académie Royale de Danse. Allí se capacitó a los primeros bailarines de teatro profesionales y el baile se trasladó de la corte a los teatros públicos.

Estas espectaculares celebraciones de la corte francesa están representadas en la película Marie Antoinette dirigida por Sofia Coppola en el año 2006. En la siguiente escena podemos ver al sucesor al trono de Francia, futuro Luis XVI, bailando el minué con su esposa Maria Antonieta. Ella, como la mayoría de las mujeres en el salón, lleva un vestido a la francesa o Watteau que se caracteriza por las amplias tablas verticales que parten del escote trasero.

La danza y la moda en el Siglo XIX

Después de la Revolución Francesa de 1789 las mujeres abandonaron los paniers y corsés, que vemos en María Antonieta, por vestidos chemise de estilo griego que enfatizaban el cuerpo.

La Dance a l’Eveque’ James Gillray 1796

Las bailarinas siguieron la moda y el uso de estos vestidos significó que podían realizar un mayor rango de movimiento. Ahora usaban zapatillas planas, lo que permitía una mayor flexibilidad en el pie, y las mujeres desarrollaron el truco de levantarse de puntillas (en punta demi). Los trajes de los hombres también reflejaban la moda llevando una chaqueta y pantalones ajustados. Ahora que los trajes se habían vuelto más libres, hombres y mujeres podían bailar juntos.

Bal de Société 1804 Jean François Bosio

Estas escenas de baile de principios de siglo XIX son retratadas de manera satírica por el artista Jean François Bosio y resignificadas en el film Emma. (2020) dirigido por Autumn de Wilde.

En la película “La Edad de la Inocencia” (1993) dirigida por Martin Scorsese podemos ver otra escena de baile, esta vez situada en la segunda mitad del siglo XIX en la ciudad de New York. Durante el transcurso de la escena la voz en off va contándonos sobre las características de los salones de baile y el ceremonial requerido a un caballero al ingresar al salón (la película está disponible actualmente en Netflix, esta escena se desarrolla a partir del minuto 7)

El volumen generado en la falda gracias a la crinolina, que en sus inicios era concéntrico, se va desplazando hacia atrás hasta llegar alrededor de 1870  a concentrarse exclusivamente en la parte trasera debajo de la cintura. Esta nueva forma de la falda, imperceptible si vemos a la mujer de frente, se lograba con el uso del polisón.

“Too Early” James Jacques Tissot (1873)

El registro de estos años en el ámbito del ballet es muy conocido por el trabajo de Edgar Degas. En su pintura “La clase de danza” de 1874 podemos encontrar muchos paralelismos entre el traje, accesorios y peinado de las bailarinas y de las damas retratadas en la llegada al baile Too Early por Tissot.

La clase de danza (1874) Edgar Degas

La danza y los diseñadores a partir del Siglo XX

La relación entre la danza y la moda continúa hasta nuestros días. Son muchos los diseñadores que se inspiraron en el vestuario de los ballets o que lo produjeron. Uno de los exponentes más destacados en este ámbito es el modisto francés Paul Poiret quien, durante los años previos a la Primera Guerra Mundial y a partir de su  fascinación con el vestuario y escenografías de Leon Bakst, llevó el estilo de los Ballets Rusos de Diaghilev a la moda femenina.

Vestuario Scheherazade (1910) por Leon Bakst

Este conjunto fue realizado para la fiesta “Las mil y dos noches” organizada por Paul Poiret en 1911 para promover sus nuevas creaciones en todo el esplendor y glamour de la tendencia orientalista.

1911 Paul Poiret

Años más tarde será el turno de Gabrielle Chanel de colaborar con el vestuario de la compañía de Ballet Rusos en la obra Le Train Bleu de Jean Cocteau. El creciente gusto por el deporte y las actividades en las playas de estos años queda plasmado en este ballet, donde se representan estas y otras actividades desarrolladas en las costas francesas que recorre el tren que da nombre a la obra.

Le Train Bleu Premiered June 20, 1924 Le Train Bleu is a ballet in ...

Le Train Bleu (1924)

La diseñadora Madeleine Vionnet también se inspiró en la danza, particularmente en la bailarina Isadora Duncan, estudiando sus coreografías para comprender mejor el cuerpo en movimiento. Con motivo del centenario de su surgimiento la casa Vionnet Paris lanzó en 2012 un cortometraje en homenaje a la bailarina que evidencia la continua conexión de la marca con el mundo de la danza.

Otro gran ejemplo de la relación entre danza y moda es el vestuario de la película Black Swan de 2010 dirigida por Darren Aronofsky. Las hermanas Mulleavy de Rodarte crearon los trajes de baile que llevan Natalie Portman y Mila Kunis poniendo en juego la fantasía y oscuridad de la competencia en este universo que bien retrata “El cisne negro”.

Marchesa sketches for Black Swan tutus. (With images) | Black swan ...

Posteriormente al diseño de los trajes de “El cisne negro” Rodarte volvió a trabajar con el coreógrafo de la película Benjamin Millepied en la obra Two Hearts para el New York City Ballet.

TWO HEARTS (2012) por Rodarte

También en Buenos Aires tenemos ejemplos de esta relación, uno de ellos es el diseñador Pablo Ramirez, quien no solo trabajó como partido para algunas de sus colecciones con estéticas tomadas del ballet sino que también desarrolló vestuario para varias obras siendo “Zeppelin” una de ellas.

Los bocetos del vestuario de Zeppelin

Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín “Zeppelin” vestuario de Pablo Ramirez

Por último, algunas colecciones de moda recientes en las que podemos reconocer la influencia de la danza resignificada en varios de sus aspectos: la escena, el entrenamiento, la música, etc.

Maria Grazia Chiuri para Christian Dior RTW SS2019

ACNE Studios SS2019

El lago de los cisnes por John Galliano para Maison Margiela AW2019

Recomendamos ampliar con:

Emma (2020): Fecha de Estreno en Perú + Posters in 2020 (With ...

Emma. (2020) dir. Autumn de Wilde

The Age of Innocence (1993) Original One-Sheet Movie Poster ...

La Edad de la Inocencia (1993) dir. Martin Scorsese

Nuevo poster de Black Swan | Más allá de Orión

Black Swan (2010) dir. Darren Aronofsky

 

Bibliografía consultada:

  • The Origins of Ballet. Victoria and Albert Museum
  • Google Arts & Culture
  • Historia del traje en occidente: desde los orígenes hasta la actualidad. François Boucher
  • Encyclopedia of Clothing and Fashion. Valerie Steele (ed)
Nuestras redes:
Aprovechamos para recordarles los sitios de FADU donde se publica información oficial con respecto a las fechas de inicio de clases e inscripciones:

 

Del textil al objeto: un recorrido histórico por las fábricas europeas de la revolución industrial.

Una de las industrias más fuertes que comenzaron con la Modernidad fue la textil. El siglo XVI vio nacer talleres textiles y nuevas formas de hilatura introduciendo géneros como el terciopelo y los brocados que serían símbolo de lujo burgués y real. La revolución industrial tuvo también como eje la evolución del textil con nuevas densidades, textiles frescos y livianos para una renovada sociedad. En este recorrido veremos algunas de las fabricas emblemáticas que se desarrollaron a partir del siglo XVIII y aún continuan el día de hoy.

La Manufacture PRELLE:

Inaugurada en 1752 la fabrica Prelle es una empresa familiar que durante cinco generaciones desarrolló sedas en distintas técnicas para diseñadores, cortes, museos, decoradores y un sin fin de personajes. Situada en Lyon (Francia), una de las ciudades con mayor tradición textil desde el Renacimiento, ha sabido atesorar las técnicas artesanales de la fabricación de seda del siglo XVIII.

Una de las técnicas de tejido que aún conserva es una de las especialidades de la ciudad de Lyon denominada Chiné à la branche o lo que podría traducirse como Tejido de Urdimbre. Para lograr el paso a paso de está técnica se teje una pieza en seda con una urdimbre completa y menor hilado de trama, luego se estampa también con técnicas de cuadros artesanales y se completa el destramado a mano removiendo todo el hilado que quedo de trama. Por último se vuelve a tejer la trama con otro hilado en tono crudo y se logra un efecto expresivo simulando un esfumado. Les dejamos un video de Prelle donde se ejemplifica la técnica.

Manufacture Prelle – Making of a Warp Print from Sabine Verzier on Vimeo.

Asimismo la fábrica renovó durante los últimos años la Ópera Garnier de Paris y también para el Palacio de Catalina cerca de San Petesburgo. Estos encargos se realizan por la conservación de las técnicas artesanales si bien la fábrica Prelle hoy en día posee sistemas mecánicos y digitalizados.

Prelle – A Story of Silk and Thread | English subtitles from Sabine Verzier on Vimeo.

Algunas imágenes de los libros de motivos de la manufactura Prelle:

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Prelle en la actualidad:

Se pueden encontrar las sedas y brocados de Prelle en distintos ámbitos. En el año 2017 se realizaron todos los textiles para la suite Pompadour del Hotel Le Meurice diseñado por Phillipe Stark con una atmósfera que recupera los grandes palacios del siglo XVIII y se combina con la mirada vanguardista del diseñador.

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Otras colaboraciones actuales fueron las realizadas para Adidas  donde crearon textiles en seda para las zapatillas de Roland Garros modelo Stan Smith:

La marca francesa de calzado Carel también decidió crear una línea de sus clásicos de los 60s con los textiles de Prelle:

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Lancashire’s textile mills:

Las fábricas textiles de la zona de Lancashire en Inglaterra fueron un emblema de la revolución industrial durante los siglos XVIII y XIX. Se fundaron con el fin de realizar el proceso y tejido de fibras naturales. Si bien la gran mayoría de los textiles eran de algodón las fabricas también producían linos, sedas y lanas. Ubicadas al norte de Inglaterra estas fabricas daban trabajo a gran parte de los pobladores y subsistieron hasta entrado el siglo XX. También fueron parte de la gran migración hacía las ciudades como afirma Dewar Catherine: “El desarrollo de la industria textil tuvo un impacto fundamental en la economía, población y arquitectura de Lancashire, y para fines del siglo XIX, de una población total de más de cuatro millones, más de 500,000 fueron empleados por el industria, principalmente esa parte conectada con la producción de productos de algodón”.

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La producción de lana fue una de las más fuertes durante los primeros periodos y luego fue mermando hacia el siglo XVIII dando lugar a la fabricación de algodón como fibra y tejido más importante. Si supieron realizar distintos procesos de acabado para la lanas que fueron parte de las tareas de las fabricas durante la revolución industrial.
Otros tejidos que se producían fueron el lino que provenía de la etapa medieval y se incorporó el tejido Fustian que era una mezcla de lino en la urdimbre y algodón en la trama. Este tipo de tejido era económico y se utilizaba en ropa de hombre.

En cuanto a la industria de algodón propiamente dicha, tuvo un gran auge durante el siglo XVIII por la cercanía de las minas de carbón que propiciaban el combustible para las fabricas y los nuevos medios de transporte como el tren que acercaron el norte de Inglaterra con la ciudades aledañas a Londres como Manchester que era otro centro productivo. En el siglo XIX Lancashire dominaba la producción realizando todas las etapas del proceso productivo desde la obtención, lavado, cardado, hilado, tejido, blanqueado y teñido.

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The One Stripe Needlework Flower Pot Chintz Border
  • Object: Printed cotton – Place of origin: Preston (printed) – Date: 1805 (block-printed)- Artist/Maker: Bannister Hall (printer) – Materials and Techniques: Block-printed cotton.

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Furnishing fabric

  • Place of origin:: Lancashire (made) – Date: 1906 (made)- Artist/Maker: Steiner & Co. (manufacturer) – Materials and Techniques: Roller printed cotton sateen- Credit Line: Given by the manufacturer

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Three Jovial Huntsmen
  • Object: Furnishing fabric – Place of origin: Lancashire (made)- Date: 1925 (made) – Artist/Maker: Tootal, Broadhurst, Lee & Co. (manufacturer) – Materials and- Techniques: Roller-printed cotton

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Engraved Rose
  • Object: Dress fabric – Place of origin: Lancashire (made) – Date: 1953 (designed) – Artist/Maker: Albeck, Pat, born 1930 – died 2017 (designer) Horrockses Fashions (designed for) – Materials and Techniques: printed cotton

Hacía la década de los 60s y 70s etas fabricas comenzaron a cerrar de manera masiva, casi una por semana. Esto fue debido al cambio de paradigma económico que movió toda las producción de países europeos hacia oriente en donde los costos se abarataron y las fabricas de Lancashire ya no pudieron competir. Para la década de los 80s habían desaparecido todas. Hubieron varios intentos de reabrir la industria algodonera pero hasta ahora no se ha podido reactivar, quizás un futuro de sustentabilidad siente las bases para la reapertura de una tradición inglesa.

Lancashire Mills en la década de los 50s:

Liberty Fabrics:

Arthur Liberty fue el fundador de la tienda departamental Liberty of London. Paso muchos años viajando a las partes orientales del mundo obteniendo inspiración para el desarrollo de su tienda que fundó en 1875 sobre la calle Regent en pleno centro de Londres. Importaba alfombras y telas de estos países lejanos para su comercialización y creo una tendencia hacia el exotismo y orientalismo nunca antes vistas. Involucró a William Morris y otros artistas famosos del siglo XIX en el diseño de alfombras y materiales. Tanto Arthur Liberty como los diseñadores que participaron en la creación de esta nueva tienda proponían un tipo de compra artística que mantuviera intacto el gusto por lo artesanal alejándose de las masivas tiendas que proliferaron durante el siglo XIX con la revolución industrial. En palabras de Liberty: “Estaba decidido a no seguir las modas existentes sino crear otras nuevas”.

Entre los textiles más famosos se encuentra el algodón egipcio que lleva todos los motivos más emblemáticos de la tienda. Estos textiles fueron fabricados en Merton en las afueras de Londres hasta la década de los 70s cuando comenzaron a producirse fuera de Inglaterra.

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Willow
  • Object: Wallpaper – Place of origin: England (made) – Date: ca. 1975 (made) – Artist/Maker: Morris, William, born 1834 – died 1896 (designer) Osborne & Little  (manufacturer) Liberty & Co. Ltd. (retailer) – Materials and Techniques: Screenprint on paper.

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Brooksby
  • Object: Furnishing fabric – Place of origin: London (retailed) London (sold) – Date: ca. 1910 (designed) – Artist/Maker: Liberty & Co. Ltd. (retailer) Materials and Techniques: Printed cotton

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Aylsham
  • Object: Furnishing fabric – Place of origin: London (retailed) Date: ca. 1906 (designed) – Artist/Maker: Liberty & Co. Ltd. (retailer) – Materials and Techniques: Printed, cotton twill

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Aylsham
  • Object: Furnishing fabric – Place of origin: London (retailed) – Date: ca. 1906-10 (designed) – Artist/Maker: Liberty & Co. Ltd. (retailer) – Materials and Techniques: Printed, cotton twill

La tienda Liberty & Co realizó cantidad de colaboraciones desde sus comienzos con William Morris, pasando Mary Quant en los 60s y abrió aún mas estrategias comerciales a partir de los 2000’s vendiendo sus textiles hacía nuevos mercados creando participaciones con marcas como Acne Jeans, Dr Martens y Hermes entre otros.

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Mary Quant por Liberty London, década de los 60s.

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Acne Jeans x Liberty

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Tech 21 x Liberty

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Dr Martens x Liberty

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Hermes x Liberty

 

Para saber más:

Prelle:

Lancashire’s textile mills:

Lancashire cotton Mill Museum Tour:

Liberty and Co.:

Serie Liberty of London:

Canal Youtube Liberty of London:
https://www.youtube.com/user/libertylondon/videos

Bibliografía consultada:

Cursada Virtual Historia del Diseño de Indumentaria y Textil FADU UBA: Cátedra Ex Marino

Hola! Queremos contarles a todos los inscriptos en nuestra cátedra que comenzamos la cursada virtual el 18 de junio – nuestra primera clase será el martes 23 de junio- Ambos cuatrimestres serán virtuales y se dictarán los dos niveles. Recuerden que seguimos haciendo acompañamiento virtual hasta el comienzo de clases. No dejen de suscribirse a la web: historiadeltraje.com, la suscripción figura sobre la barra lateral derecha.  Ante cualquier duda o consulta recuerden que nos pueden contactar a través de las redes o por mail a cat.marino@fadu.uba.ar

¡Felicidades!

A TRAVÉS DE UNA VENTANA

A TRAVÉS DE UNA VENTANA

La ventana se convirtió en estos días en nuestra principal vía de contacto, tanto real como virtual, con lo que pasa afuera de nuestras casas. Nos sirve para enmarcar y definir aquello sobre lo nos gustaría conocer más. Salir por las ventanas para ver qué hay ahí afuera, o entrar por ellas para espiar espacios interiores, domésticos o palaciegos, íntimos o familiares. Una excusa que nos permite asomarnos a estilos en el traje de los últimos dos siglos.

La ventana es un tema muy presente en la pintura del Siglo XIX y a propósito de esto reproducimos un fragmento perteneciente a la exposición Rooms with a View: The Open Window in the 19th Century

Esta exposición se centra en un tópico atesorado por los románticos: la vista a través de una ventana abierta. Los artistas alemanes, franceses, daneses y rusos tomaron el tema por primera vez en la segunda década del siglo XIX. Yuxtaponiendo cerca y lejos, la ventana es una metáfora del anhelo incumplido. Los pintores destilaron este sentimiento en imágenes de habitaciones desocupadas y silenciosas con figuras contemplativas, estudios con artistas trabajando, y ventanas abiertas como motivo único.

Todo a la distancia se convierte en poesía: montañas distantes, personas distantes, acontecimientos distantes, todo se vuelve romántico” — Novalis, 1798

Marie Denise Villers 1801

El vestido chemise de muselina de algodón blanco que llevan las mujeres retratadas en la imagen superior, fue el protagonista del guardarropas femenino durante los primeros años del Siglo XIX.

Chemise (ropa interior) de izq a der: lino y algodón 1780 – lino 1840/59 – algodón 1880s

Su nombre deriva de la prenda de uso íntimo que le da origen: una camisa larga de algodón o lino usada como primera piel debajo de los pesados vestidos durante más de trescientos años. Tres procesos fundamentales dieron lugar a este cambio tan radical en el traje femenino: la mejora e incremento en la producción de textiles de algodón que trajo la Revolución Industrial, la mirada neoclásica en el arte del Iluminismo, y el abandono de la exuberancia y ostentación asociadas al Antiguo Régimen derrocado por la Revolución Francesa.

Caspar David Friedrich “Woman at the Window” 1822

Con el transcurso de los años, y ante las crecientes muertes por tuberculosis debidas a la poca protección corporal del chemise de muselina, los vestidos fueron retomando el uso de textiles más pesados y cubritivos. Podemos ver este cambio en la mujer de verde, si bien mantiene las características principales de la silueta del primer cuarto del Siglo XIX: talle alto marcado debajo del busto y falda larga con pliegues y de caída natural sin ahuecador.

Georg Friedrich Kersting “In Front of the Mirror” 1827

Reggie Darling: Reggie Out & About: "Rooms With A View" Opening at ...

Emilius Bærentzen “The Family Circle” ca. 1830

Christoffer Wilhelm Eckersberg “The Artist’s Two Daughters” 1852

El fuerte contraste entre las últimas tres imágenes nos muestra la diferencia entre la liviandad y despojo de las prendas vestidas en la intimidad del dormitorio y lo complejo y recargado de los conjuntos retratados en situaciones sociales como se ve en la sala de “The Family Circle”. En pocos años vemos como el entalle del vestido va descendiendo hasta ubicarse nuevamente en la cintura, confirmando así la vuelta al uso del corset que se mantiene hasta inicios del Siglo XX.

También conocemos con el nombre de chemise o camisero al vestido abotonado en el frente producto de la fuerte influencia norteamericana sobre el traje durante el Siglo XX. Con origen en el conjunto de camisa y falda, generalmente de algodón y usado mayormente por enfermeras por ser práctico y lavable, durante la Primera Guerra Mundial se convirtió en el uniforme de la Cruz Roja y otras organizaciones que necesitaban ropa funcional para sus trabajadoras.

Avisos de los años 30s mostrando vestidos camiseros para la práctica de golf

Pulcro y sentador, acompañó al entusiasmo de la posguerra por los deportes activos, y en la década de 1920, se adaptó a vestidos para el golf y el tenis.

La tenista francesa Suzanne Lenglen en los años 30

Revista LIFE mayo 1938

Un clásico del estilo estadounidense, en versiones con falda voluminosa siguiendo los dictados del New Look o con ajustada falda tubo también bajo lineamientos de Dior, se convirtió en el más elegido por el ama de casa de los años 50.

Serbin of Florida – Vogue April 1958

VOGUE EEUU 1950 – 1955 – 1959

 

Rear Window (1954) Movie Poster – My Hot Posters

REAR WINDOW (La ventana indiscreta) 1954 – Alfred Hitchcock

En el film “La ventana Indiscreta” un reportero gráfico (James Stewart) a veces acompañado por su bella novia modelo (Grace Kelly) y su enfermera (Thelma Ritter), obligado a permanecer en reposo con su pierna enyesada, procura escapar al tedio de su convalecencia contemplando desde la ventana de su apartamento el otro lado del patio. El vestuario de la película fue diseñado por Edith Head, quien trabajó en varias películas dirigidas por Alfred Hitchcock.


En las ilustraciones de Edith Head vemos algunos de los conjuntos diseñados para Grace Kelly, entre los que se encuentra un vestido camisero que se adapta al glamuroso estilo New Look característico de la época. También vemos el vestido camisero en el personaje de la enfermera aunque en este caso se trata de un modelo muy simple y con hombros rígidos que nos recuerda un poco al estilo utilitario de los años 40.

Hitchcock's 'Rear Window' Still Thrills 1954 | Grace kelly, Rear ...

En una escena de la película se la puede ver a Grace Kelly leyendo una revista Harper’s Bazaar, sin embargo es la revista VOGUE quien hace unos años se inspiró en “Rear Window” para uno de sus editoriales de moda.

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VOGUE abril 2013 Fotografía: Peter Lindbergh // Edición de Moda: Grace Coddington

“Era el verano de 1960, y una mañana eché un vistazo por la ventana de mi estudio en Manhattan y noté que el edificio de enfrente se estaba preparando para la demolición. Mirando el diseño de las ventanas vacías, se me ocurrió una idea: poner a una mujer con ropa colorida en cada una de las aberturas.” comenta Ormond Gigli acerca de la imagen que sigue, su foto más famosa.

Ormond Gigli “Girls in the Windows” 1960 New York

Treinta años más tarde podemos encontrar guiños a esta famosa fotografía en el corto cinematográfico filmado en el hotel “Le Carlton” para promoción del perfume “Egoiste” de CHANEL dirigido por Jean-Paul Goude.

Recomendamos ampliar con:

Y ver la película:

I've never seen ... Rear Window | Film | The Guardian

Rear Window (La ventana indiscreta) 1954

Bibliografía consultada:

  • Rooms with a View: The Open Window in the Nineteenth Century
    Rewald, Sabine (2011)
  • Google Arts & Culture
  • Encyclopedia of Clothing and Fashion. Valerie Steele (ed)
  • 1950s American Fashion. Jonathan Walford
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Cuerpo, distancia y protección: Un recorrido histórico

En tiempos de pandemia la moda se resignifica y trabaja sobre las nuevas nociones de protección. En este recorrido histórico exploraremos ejemplos de distanciamiento social, resguardo y defensa.

Las mascaras del teatro griego.

La vestimenta en Grecia se basaba en el tipo de pensamiento racional ideal que caracterizaba a la civilización. Las prendas se producían de forma artesanal y eran un actividad de interior. La técnica utilizada era el drapeado y partían de formas geométricas básicas, un ejemplo de esto es el quitón conformado por dos paños que se unían por los hombros con fíbulas (pequeños ganchos que se utilizaron hasta la aparición del botón). Está túnica también se utilizaba por los actores en las representaciones teatrales. Para diferenciarse se crearon dos tipos de accesorios: el calzado denominado coturnos que enfatizaban la altura y las máscaras que resaltaban los rastros y comunicaban el tipo de obra si era  tragedia, comedia o sátira a través de la expresión facial.

Estas máscaras llegaron a tener un gran tamaño, solían ser de mayor escala comparando con  la cabeza del usuario para que pudieran verse desde la distancia y poseían complejas formas de funcionamiento en donde la forma interior podía mejorar el volumen vocal del actor.

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Máscara de Comedia – 3er – 2do siglo AC – The J. Paul Getty Museum

Las corazas romanas.

Una de las civilizaciones con mayores avances en cuanto a indumentaria y accesorios de guerra es sin dudas la romana. Con antecedentes en el traje militar en los Etruscos incorporaron grandes avances por su amplia trayectoria y sus interminables victorias. La prenda defensiva del soldado romano era la coraza o también conocida como cuirass o peto de bronce. Esta lamina de bronce se moldeaba con la forma del cuerpo y podía llevarse con la cota de malla, un tejido metálico que proveía aún mayor protección. Este modo de protección ha sido resignificado por diseñadores como Paco Rabanne en los 60s.

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Cuirass –  400 – 301 a.C. – Museo arqueológico de Granada.

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Vestido de malla metálica creado por Paco Rabanne en 1966. Foto: Gunnar Larsen.

Los tocados medievales.

Durante la Baja Edad Media los tocados femeninos comenzaron un camino ascendente en búsqueda de una silueta esbelta y lánguida, el propósito de tales accesorios yacía en imitar la altura de las catedrales góticas y sus arcos ojivales. Estás volumétricas piezas llegaron a tamaños extremos teniendo que ser reguladas por las leyes suntuarias del momento.

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Tocado con redecillas denominadas templers y velo. Infanta Beatriz de Portugal – Iglesia de Fitzalan, Sussex.

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Tocado Hennin – Retrato de dama joven pintado por Hans Memling del díptico Alegoría del verdadero amor (ca. 1485).

El verdugado Renacentista.

El surgimiento y las clases poderosas de los siglos XV y XVI fueron la coyuntura propicia para el comienzo de una silueta recargada y rígida, característica del periodo. Las prendas interiores se endurecieron y dieron lugar al nacimiento del verdugado, una estructura de forma cónica o tambor que creaba volumen en las faldas. Poseía ciertas variantes en su construcción según el país de origen y se armaba en conjunto al cuerpo o corset.

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Recreación de tipos de verdugado realizados por el Shakespeare’s Globe Theatre de Londres.

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Marcus Gheeraerts el Joven:  Ana de Dinamarca con verdugado tipo tambor (1611-1614), óleo sobre lienzo, Woburn Abbey.

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Lady Macbeth vestuario de Thierry Mugler – 1985

Los Panniers y el vestido a la francesa.

La corte francesa fue de las más adeptas a los continuos cambios de la moda y una de las que fomento las extravagancias en el vestir. Durante el siglo XVIII aparecieron los panniers o tontillos que eran unas estructuras que se llevaban sobre los laterales del cuerpo debajo de la falda para crear volumen de forma horizontal. Llegaron a ser tan anchos que las mujeres debían pasar de costado por las aberturas y puertas. Esta moda tuvo su fin a finales de siglo XVIII cuando Maria Antonieta cambio hacia un estilo más natural que daría lugar al vestido redondo de principios del Neoclasicismo.

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Mantua Escocesa – 1750 – 1770 – Museo Nacional de Escocia.

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Thom Browne – Colección 2020.

Capotas del siglo XIX.

Un clásico modelo de las películas de Jane Austen, la capota era el acento perfecto para el vestido chemise. Con sus amplias alas laterales cubría el rostro y alejaba pretendientes indeseados. Podían estar confeccionadas con tejido de mimbre o forradas en telas como satén o terciopelo, se decoraban con flores, moños y cintas en tonos pastel. En una carta de Jane Austen a su hermana Cassandra la autora expresa sus deseos de realizar su propia capota: “La próxima semana comenzarán mis operaciones en mi sombrero, del cual sabes que dependen mis principales esperanzas de felicidad”.

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Poke Bonnet – Capota – Met Museum – 1850

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“Les Invisibles en Tête-à-Tête”, a French satire on the poke bonnet (called “invisible” in French), 1810s. No. 16 in the series of engravings, “Le Suprême Bon Ton” (probably from the 1810s).

Crinolinas y Polisones.

Si hablamos de distanciamiento social el siglo XIX es uno de los mejores ejemplos para mostrar cómo la silueta femenina permitía alejarse del resto de la población. La crinolina, una estructura cilíndrica que se utiliza por debajo de la falda, llegó a su popularidad a mediados del siglo. Este accesorio fue imprescindible en la moda romántica y se mantuvo en pleno auge hasta la década de los 70s cuando comienza a cambiarse hacía el polisón. El estilo victoriano de fin de siglo adopto un sistema de conjunto más serio y austero marcado por el luto de la reina Victoria. Las amplias y románticas crinolinas desaparecieron haciendo lugar a una novedosa estructura que solo dará volumen a la parte de atrás de la silueta. Se realizaron en distintos materiales como almohadillas y aceros flexibles para mayor comodidad y desaparecieron con la llegada del siglo XX.

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Caricatura sobre el uso de la crinolina: An Excusable Error: Chickens believe they have found the cage where they were raised (Une Erreur Excusable) – Honoré Daumier1857 – Davison Art Center, Wesleyan University – Middletown, Estados Unidos

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Vestido con polisón- Dress with bustle – Vestido con polisón 1884-1886 – Met Museum

Sombrero rueda de carro – Belle Epoque.

La década más opulenta y exótica del siglo XX promovió una silueta sinuosa en forma de reloj de arena que puede verse representada en las fotografías de la actriz Camille Clifford, también denominada Gibson Girl por las famosas ilustraciones de Charles Dana Gibson. Los vestidos con cola latiguillo se completaban con un amplio sombrero que se llamo Cart Wheel Hat (Rueda de carro) porque por sus amplias dimensiones parecía más un accesorio para el automóvil que para vestir.

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Fotografía de Mademoiselle Lautelme con sombrero rueda de carro.

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Cart Wheel hats – Belle Epoque.

Ballet Triádico – Bauhaus.

Llegados los 20s comenzamos a ver una nueva oleada de experimentación dada por el fin de la primera guerra que abre camino a una era de modernidad, cargada de aceleración, progreso y optimismo. La escuela de artes y oficios Bauhaus poseía variados talleres en donde los alumnos expresaban las nuevas ideas para un nuevo mundo. Un destacado profesor fue el director del Ballet Triádico Oskar Schlemmer que permitió a los alumnos manifestarse a través de las prendas creando vestuario a partir de siluetas extra corporales que revisitaban la noción de cuerpo como soporte, el color y la materialidad. Sus presentaciones fueron y son grandes influencias en el vestuario de cantantes, performers y artistas visuales.

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Vestuarios Ballet Triádico – Bauhaus.

La era espacial de los 60s y sus accesorios.

El boom de la juventud en los 60s tuvo un claro objetivo, diferenciarse del mundo adulto y proponer nuevas temáticas de diseño joven. Los nuevos materiales como el pvc, el poliéster, el vinilo y técnicas de estampado simples como la sublimación aportaron color y frescura a los diseños. Una de las temáticas más recurrentes de lo diseñadores fue el fanatismo por la era espacial marcada por el comienzo de la guerra fría y la llegada a la luna por parte de Estados Unidos en 1969. Cascos de tipo espacial, botas metalizadas, amplios tapados traslúcidos eran recurrentes en las colecciones de André Courreges, Paco Rabanne, Pierre Cardin y Mary Quant. 

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Conjunto de André Courrèges , fotografía de Peter Knapp, 1965.

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Celia Hammond y Pattie Boyd con cascos de fieltro diseñados por Edward Mann. Foto de  John French, 1965.

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Jean Shrimpton por Richard Avedon, 1964.

La exageración de los 80s.

Una amplia línea de hombros caracterizo la silueta femenina y masculina durante la década de los 80s. Diseñadores cómo Claude Montana y Thierry Mugler llevaron al extremo la extravagancia y opulencia del power dressing característico de la era. Los trajes sastres llegaron a medidas inverosímiles y dieron lugar al accesorio del momento: las hombreras. Como expresa Thierry Mugler en una de sus entrevistas sobre su éxito durante los 80s: “La moda es una película. Todas las mañanas cuando te vistes, te diriges a ti mismo”.

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Desfile de  THIERRY MUGLER, PRÊT-À-PORTER, COLLECTION AUTOMNE-HIVER 1995-96 À PARIS EN MARS 1995, FRANCE. COURTESY OF GETTY IMAGES.

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CARDI B AT THE 61ST ANNUAL GRAMMY AWARDS WEARING FALL 1995 COUTURE MUGLER. COURTESY OF GETTY IMAGES.
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Claude Montana – Década de los 80s.

Repensando el cuerpo: los 90s y Rei Kawakubo.

Si bien la diseñadora Rei Kawakubo formó parte de la primera oleada de diseñadores durante la década de los 80s, su forma de re trabajar el cuerpo con novedosos sistemas de sostén, siluetas extra corporales y formas arquitectónicas lograron expandirse durante la primera etapa de los 90s influenciando a una amplia generación de diseñadores que ya no volvería a pensar la silueta sin la experimentación. Trajes que toman volúmenes inauditos, protuberancias que emergen por fuera de los estándares de belleza occidental y estructuras sólidas que llevan el cuerpo a una obra de arte son algunos de los aportes de una de las diseñadoras que más trabajaron el distanciamiento social tanto en la moda como en la vida personal.

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Retrospectiva en el Met sobre Rei Kawakubo – Art of the In-Between Met Gala 2017.