Historia II – Clase años 30

En esta clase analizamos el periodo comprendido entre la caída de la Bolsa de Wall Street y la Segunda Guerra Mundial

En la tapa de la revista Vogue de 1932 podemos apreciar como vuelven a valorarse las curvas femeninas y se abandona la silueta geométrica al estilo Garçonne

Los estilos de las actrices de Hollywood tienen gran influencia ya que, a pesar del contexto de crisis económica, pueden imitarse los peinados y el maquillaje.

La línea de hombros suele ser el foco de atención, tanto en prendas sastreras con hombreras y otros recursos que generan hombros bien rígidos, como en vestidos de noche con formas blandas construyendo grandes volúmenes.


Una de las diseñadoras más destacadas del período es Madeleine Vionnet, responsable de la nueva técnica de corte al bies. Vionnet contruye sus trajes directamente sobre el cuerpo o el maniquí, logrando que las prendas se adapten a la silueta y no al revés. Valiéndose de pliegues y drapeados, sus trajes recuerdan al peplo, kitón e himation de la Grecia Clásica.

Otra diseñadora de gran importancia es Elsa Schiaparelli que, a diferencia de Vionnet que se destaca por su desarrollo en cuanto a la forma y técnica constructiva de las prendas, es responsable por la estrecha relación entre vanguardias artísticas y moda.

Schiaparelli trabaja con artistas como Man Ray, Jean Cocteau y Salvador Dalí. Sus prendas son extravagantes y revolucionarias. Es una de las pioneras en resignificar materiales en tiempos de escasez, usa celofán para sus bordados y botones de cerámica imitando aspirinas. Lo mismo hará con los estampados, tomando motivos ordinarios de la vida cotidiana como textos de diarios o fósforos.

En 1936 el rey Eduardo VIII abdicó a la corona británica por amor a Wallis Simpson, una americana dos veces divorciada lo cual generó terrible escándalo.

duque de windsor

“Los retratos de boda –que como cabía esperar, teniendo en cuenta que el novio era el primer rey de Inglaterra en renunciar a su empleo, dieron la vuelta al mundo– los disparó Cecil Beaton. […] Wallis, para distinguirse de la aburridísima familia real británica, se vistió con piezas de la noble italiana surrealista Elsa Schiaparelli. Un vestido, en particular, llamó la atención de todos. La pieza –de chifón blanco, escote cuadrado y tirantes– tenía estampada una gamba dibujada por Salvador Dalí en la entrepierna” extracto de la nota Cómo Cecil Beaton obró el milagro de convertir a los Windsor en carismáticos del diario El País.

A continuación les dejamos un link al documental comentado en clase que relata la rivalidad entre Coco Chanel y Elsa Schiaparelli

En el calzado también se emplean materiales no convencionales, como las placas de corcho que integran la plataforma de la sandalia creada por Salvatore Ferragamo.

Debido a la crisis económica se reduce muchísimo el uso de los bordados, dando protagonismo a las telas estampadas con motivos pequeños y sin “pie” que facilitan la yuxtaposición en cortes complejos y no tienen demasiado desperdicio.

Schiaparelli | Haute Couture Spring Summer 2020

Historia II: 1918-1929. Los 20s.

Hola, acá les dejamos el contenido que vimos durante la clase de del período 1918-1929.

Les dejo un documental de la bailarina Josephine Baker uno de los grandes nombres de la danza durante los 20s tanto en París como en Nueva York.
Documental sobre Josephine Baker
Les dejamos el documental sobre la diseñadora Gabrielle Chanel.

Resignificaciones:

THOMAS MAYER RESORT 2019

LACOSTE FW 2020

Historia II – Clase años 30

En esta clase analizamos el periodo comprendido entre la caída de la Bolsa de Wall Street y la Segunda Guerra Mundial

En la tapa de la revista Vogue de 1932 podemos apreciar como vuelven a valorarse las curvas femeninas y se abandona la silueta geométrica al estilo Garçonne

Los estilos de las actrices de Hollywood tienen gran influencia ya que, a pesar del contexto de crisis económica, pueden imitarse los peinados y el maquillaje.

La línea de hombros suele ser el foco de atención, tanto en prendas sastreras con hombreras y otros recursos que generan hombros bien rígidos, como en vestidos de noche con formas blandas construyendo grandes volúmenes.


Una de las diseñadoras más destacadas del período es Madeleine Vionnet, responsable de la nueva técnica de corte al bies. Vionnet contruye sus trajes directamente sobre el cuerpo o el maniquí, logrando que las prendas se adapten a la silueta y no al revés. Valiéndose de pliegues y drapeados, sus trajes recuerdan al peplo, kitón e himation de la Grecia Clásica.

Otra diseñadora de gran importancia es Elsa Schiaparelli que, a diferencia de Vionnet que se destaca por su desarrollo en cuanto a la forma y técnica constructiva de las prendas, es responsable por la estrecha relación entre vanguardias artísticas y moda.

Schiaparelli trabaja con artistas como Man Ray, Jean Cocteau y Salvador Dalí. Sus prendas son extravagantes y revolucionarias. Es una de las pioneras en resignificar materiales en tiempos de escasez, usa celofán para sus bordados y botones de cerámica imitando aspirinas. Lo mismo hará con los estampados, tomando motivos ordinarios de la vida cotidiana como textos de diarios o fósforos.

En 1936 el rey Eduardo VIII abdicó a la corona británica por amor a Wallis Simpson, una americana dos veces divorciada lo cual generó terrible escándalo.

duque de windsor

“Los retratos de boda –que como cabía esperar, teniendo en cuenta que el novio era el primer rey de Inglaterra en renunciar a su empleo, dieron la vuelta al mundo– los disparó Cecil Beaton. […] Wallis, para distinguirse de la aburridísima familia real británica, se vistió con piezas de la noble italiana surrealista Elsa Schiaparelli. Un vestido, en particular, llamó la atención de todos. La pieza –de chifón blanco, escote cuadrado y tirantes– tenía estampada una gamba dibujada por Salvador Dalí en la entrepierna” extracto de la nota Cómo Cecil Beaton obró el milagro de convertir a los Windsor en carismáticos del diario El País.

A continuación les dejamos un link al documental comentado en clase que relata la rivalidad entre Coco Chanel y Elsa Schiaparelli

En el calzado también se emplean materiales no convencionales, como las placas de corcho que integran la plataforma de la sandalia creada por Salvatore Ferragamo.

Debido a la crisis económica se reduce muchísimo el uso de los bordados, dando protagonismo a las telas estampadas con motivos pequeños y sin “pie” que facilitan la yuxtaposición en cortes complejos y no tienen demasiado desperdicio.

Schiaparelli | Haute Couture Spring Summer 2020

Danza y Moda

La danza en la corte francesa – orígenes del ballet

ANONYME FRANÇAIS ( XVIe siècle)Bal à la cour des ValoisVe...

Bal à la cour des Valois (c.1582) Caulery

El ballet y la ópera comenzaron en el siglo XVII, como elaborados espectáculos diseñados en las cortes europeas a modo de entretenimientos extravagantes, utilizados para celebrar matrimonios o mostrar la riqueza y el poder del gobernante. Con actuaciones que eran una mezcla entre palabra hablada, música, danza y pantomima, desarrollaban procesiones ceremoniales con espectaculares efectos técnicos y trajes extravagantes. Las historias se inspiraban en los mitos de la antigua Grecia y Roma o se basaban en temas como las cuatro estaciones, el mundo natural o las tierras extranjeras.

Los trajes eran ingeniosos y fantásticos, decorados con símbolos que ayudaban al público a reconocer a los personajes de la historia. El movimiento a menudo estaba limitado por el tamaño de estos trajes. Originalmente los ballets de la corte fueron protagonizados por la aristocracia y la realeza en las habitaciones y jardines de sus palacios. Los bailes se basaban en las danzas sociales de las cortes reales, con elegantes movimientos de los brazos y la parte superior del cuerpo, y elaborados patrones de piso.

Luis XIV como Apolo en Ballet de la nuit 1653 – By Henri de Gissey

El rey Luis XIV de Francia, conocido como el Rey Sol, encarnó al dios Apolo en Le Ballet de la Nuit (El Ballet de la Noche) a la edad de 15 años.

La lezione di danza 1741 c. – Pietro Longhi

Estos enormes espectáculos ayudaron a mantener a los cortesanos entretenidos la vida en la corte podía ser monótona y aburrida, y saber bailar era un logro social necesario.

Eventualmente se hizo imposible para los bailarines aficionados alcanzar los estándares exigidos por los maestros y compositores de baile, y entonces las tradiciones del ballet y la ópera se separaron comenzando a desarrollarse de forma independiente, hasta que en 1661 se estableció en Francia la Académie Royale de Danse. Allí se capacitó a los primeros bailarines de teatro profesionales y el baile se trasladó de la corte a los teatros públicos.

Estas espectaculares celebraciones de la corte francesa están representadas en la película Marie Antoinette dirigida por Sofia Coppola en el año 2006. En la siguiente escena podemos ver al sucesor al trono de Francia, futuro Luis XVI, bailando el minué con su esposa Maria Antonieta. Ella, como la mayoría de las mujeres en el salón, lleva un vestido a la francesa o Watteau que se caracteriza por las amplias tablas verticales que parten del escote trasero.

La danza y la moda en el Siglo XIX

Después de la Revolución Francesa de 1789 las mujeres abandonaron los paniers y corsés, que vemos en María Antonieta, por vestidos chemise de estilo griego que enfatizaban el cuerpo.

La Dance a l’Eveque’ James Gillray 1796

Las bailarinas siguieron la moda y el uso de estos vestidos significó que podían realizar un mayor rango de movimiento. Ahora usaban zapatillas planas, lo que permitía una mayor flexibilidad en el pie, y las mujeres desarrollaron el truco de levantarse de puntillas (en punta demi). Los trajes de los hombres también reflejaban la moda llevando una chaqueta y pantalones ajustados. Ahora que los trajes se habían vuelto más libres, hombres y mujeres podían bailar juntos.

Bal de Société 1804 Jean François Bosio

Estas escenas de baile de principios de siglo XIX son retratadas de manera satírica por el artista Jean François Bosio y resignificadas en el film Emma. (2020) dirigido por Autumn de Wilde.

En la película “La Edad de la Inocencia” (1993) dirigida por Martin Scorsese podemos ver otra escena de baile, esta vez situada en la segunda mitad del siglo XIX en la ciudad de New York. Durante el transcurso de la escena la voz en off va contándonos sobre las características de los salones de baile y el ceremonial requerido a un caballero al ingresar al salón (la película está disponible actualmente en Netflix, esta escena se desarrolla a partir del minuto 7)

El volumen generado en la falda gracias a la crinolina, que en sus inicios era concéntrico, se va desplazando hacia atrás hasta llegar alrededor de 1870  a concentrarse exclusivamente en la parte trasera debajo de la cintura. Esta nueva forma de la falda, imperceptible si vemos a la mujer de frente, se lograba con el uso del polisón.

“Too Early” James Jacques Tissot (1873)

El registro de estos años en el ámbito del ballet es muy conocido por el trabajo de Edgar Degas. En su pintura “La clase de danza” de 1874 podemos encontrar muchos paralelismos entre el traje, accesorios y peinado de las bailarinas y de las damas retratadas en la llegada al baile Too Early por Tissot.

La clase de danza (1874) Edgar Degas

La danza y los diseñadores a partir del Siglo XX

La relación entre la danza y la moda continúa hasta nuestros días. Son muchos los diseñadores que se inspiraron en el vestuario de los ballets o que lo produjeron. Uno de los exponentes más destacados en este ámbito es el modisto francés Paul Poiret quien, durante los años previos a la Primera Guerra Mundial y a partir de su  fascinación con el vestuario y escenografías de Leon Bakst, llevó el estilo de los Ballets Rusos de Diaghilev a la moda femenina.

Vestuario Scheherazade (1910) por Leon Bakst

Este conjunto fue realizado para la fiesta “Las mil y dos noches” organizada por Paul Poiret en 1911 para promover sus nuevas creaciones en todo el esplendor y glamour de la tendencia orientalista.

1911 Paul Poiret

Años más tarde será el turno de Gabrielle Chanel de colaborar con el vestuario de la compañía de Ballet Rusos en la obra Le Train Bleu de Jean Cocteau. El creciente gusto por el deporte y las actividades en las playas de estos años queda plasmado en este ballet, donde se representan estas y otras actividades desarrolladas en las costas francesas que recorre el tren que da nombre a la obra.

Le Train Bleu Premiered June 20, 1924 Le Train Bleu is a ballet in ...

Le Train Bleu (1924)

La diseñadora Madeleine Vionnet también se inspiró en la danza, particularmente en la bailarina Isadora Duncan, estudiando sus coreografías para comprender mejor el cuerpo en movimiento. Con motivo del centenario de su surgimiento la casa Vionnet Paris lanzó en 2012 un cortometraje en homenaje a la bailarina que evidencia la continua conexión de la marca con el mundo de la danza.

Otro gran ejemplo de la relación entre danza y moda es el vestuario de la película Black Swan de 2010 dirigida por Darren Aronofsky. Las hermanas Mulleavy de Rodarte crearon los trajes de baile que llevan Natalie Portman y Mila Kunis poniendo en juego la fantasía y oscuridad de la competencia en este universo que bien retrata “El cisne negro”.

Marchesa sketches for Black Swan tutus. (With images) | Black swan ...

Posteriormente al diseño de los trajes de “El cisne negro” Rodarte volvió a trabajar con el coreógrafo de la película Benjamin Millepied en la obra Two Hearts para el New York City Ballet.

TWO HEARTS (2012) por Rodarte

También en Buenos Aires tenemos ejemplos de esta relación, uno de ellos es el diseñador Pablo Ramirez, quien no solo trabajó como partido para algunas de sus colecciones con estéticas tomadas del ballet sino que también desarrolló vestuario para varias obras siendo “Zeppelin” una de ellas.

Los bocetos del vestuario de Zeppelin

Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín “Zeppelin” vestuario de Pablo Ramirez

Por último, algunas colecciones de moda recientes en las que podemos reconocer la influencia de la danza resignificada en varios de sus aspectos: la escena, el entrenamiento, la música, etc.

Maria Grazia Chiuri para Christian Dior RTW SS2019

ACNE Studios SS2019

El lago de los cisnes por John Galliano para Maison Margiela AW2019

Recomendamos ampliar con:

Emma (2020): Fecha de Estreno en Perú + Posters in 2020 (With ...

Emma. (2020) dir. Autumn de Wilde

The Age of Innocence (1993) Original One-Sheet Movie Poster ...

La Edad de la Inocencia (1993) dir. Martin Scorsese

Nuevo poster de Black Swan | Más allá de Orión

Black Swan (2010) dir. Darren Aronofsky

 

Bibliografía consultada:

  • The Origins of Ballet. Victoria and Albert Museum
  • Google Arts & Culture
  • Historia del traje en occidente: desde los orígenes hasta la actualidad. François Boucher
  • Encyclopedia of Clothing and Fashion. Valerie Steele (ed)
Nuestras redes:
Aprovechamos para recordarles los sitios de FADU donde se publica información oficial con respecto a las fechas de inicio de clases e inscripciones:

 

Diez modas escandalosas que marcaron la Historia.

A partir del siglo XVI la moda marcó los distintos periodos a través de siluetas y prendas que en muchas ocasiones resultaron escandalosas. Quizás parezcan inofensivas en el mundo actual pero causaron gran revuelo cuando se introdujeron. Las formas de vestir pueden fomentar cambios sociales y la muerte de ciertas convenciones, en este post veremos ejemplos de prendas que marcaron nuevos tiempos y crearon una impresión duradera.

1- El Gaulle de María Antonienta.

Si existe un personaje atrayente para la historia del traje es sin dudas Maria Antonieta. La moda fue siempre una de sus debilidades y en cada elección vestimentaria causó revuelo para la monarquía que desaprobó muchas de sus desiciones así como también para la sociedad parisina.

Hacia fines de siglo XVIII en un afán por mostrarse más simple dadas las presiones sociales del periodo, la reina opto por vestir con textiles novedosos creados en Inglaterra y que poseían una característica provocadora, su translucidez. En la obra de 1783 de Le Brun, el vestido denominado Gaulle realizado en muselina propone una silueta despojada de los grandes decoros de la corte y con una impronta de ropa interior. La obra causo disgusto en la monarquía y tuvo que ser re-pintada por el artista cambiando el atuendo por uno que se adapte a las reglas de la corte.

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Marie Antoinette por  Le Brun en sus dos versiones de 1783.

2- El vestido Chemise.

Siguiendo la sintonía de la revolución francesa, el primer periodo del siglo XIX formalizo el uso de los textiles translucidos que había propuesto la abatida reina de Francia. El chemise, un vestido realizado en percalina o muselina, de talle alto, mangas cortas y larga falda se volvió popular entre las mujeres aristocráticas. La prenda dejaba poco para la imaginación, se llevaba sin corset lo que se consideró casi desnudez y fue retratado de forma caricaturesca durante los años que perduro.

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Vestido Chemise, Costume Parisien.

3- El Corset del Romanticismo.

A mitad de siglo XIX el corset volvió a escena con nuevas características de flexibilidad y “comodidad” propuestas por los avances de la confección durante la revolución industrial. En el caso del corset romántico y luego de estilo victoriano se profundizó el ajuste en el sector de la cintura llegando a medir 42 cms. Si bien fue cambiando de forma hasta su desaparición a principios de siglo XX, promovió una silueta opresiva para el cuerpo de la mujer y se mantuvo en la polémica durante todo el siglo. Médicos y grupos cómo la Sociedad del vestido Racional insistieron en su desaparición siendo en gran parte artifices del cambio que se logró a partir de la Belle Epoque.

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Corset del siglo XIX, Museo Victoria & Albert de Londres.

4- El retrato de Madame X

Madame X o Portrait of Madame X es el título de un retrato de John Singer Sargent basado en una joven socialité, Virginie Amélie Avegno Gautreau, esposa del banquero francés Pierre Gautreau. Fue pintada no como una comisión, sino a pedido de Sargent. La obra original y sus estudios previos proponían a la mujer con un vestidos negro de finos breteles. Sobre uno de los hombros el brete caía insinuando una sensualidad que fue recibida con escándalo en la sociedad parisina acusándola de indecente. El pintor al igual que Le Brun tuvo que rehacer la obra para cumplir con las convenciones sociales de finales de siglo XIX.

Madame X por John Singer Sargent.

 

5- Bloomers

La activista Amelia Bloomer propuso a mediados de siglo XIX una prenda que permitiera mayor comodidad a las mujeres a la hora de practicar deportes. La revolución industrial traía grandes inventos como el perfeccionamiento de la bicicleta pero era muy difícil para las mujeres poder disfrutar dadas las condiciones de su silueta que incluían la crinolina y el corset. Bloomer creo un pantalón de amplio volumen que pudiera simular la silueta extra corporal de las faldas del momento pero que a su vez permitiera a las mujeres pedalear sin ataduras. La prenda causo controversia y fue desechada por promover un estilo masculino en las mujeres. A finales del siglo,  acompañada por la sociedad del Vestido Racional, Bloomer volvió a imponer su idea, esta vez con éxito.

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Modas femeninas para ciclistas.

 

6- The LBD – El vestido negro.

La opulencia de la Belle Epoque llegó a su fin con el nuevo estereotipo de la mujer estilo Garconne luego de terminada la primera guerra. La silueta de los 20s instalaba un falda corta por debajo de la rodilla, brazos al descubierto y pocas curvas. La diseñadora Gabrielle “Coco” Chanel impuso el vestido negro de lineas simples creando una de las prendas comodín y más famosas de la historia de la moda. El LBD causo revuelo por sus líneas simples y el uso del color negro que hasta el momento estaba asociado preferentemente con el luto.

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LBD por Chanel

 

7- New Look de Dior

En 1947 Christian Dior presenta su primera colección la cual denomino Corola. Inspirado en la flor y con reminiscencias de la Belle Epoque y el Rococó instaló la famosa silueta New Look. Una vuelta a los grandes metrajes de tela, que habían sido racionados durante la guerra, y un traje de hombros suaves y redondeados causaron gran revuelo. Por un lado la sociedad parisina se escandalizo al ver que la moda podía volver a su glamour y a los grandes gastos textiles dada la situación económica de posguerra llevando a muchas mujeres y hombres a manifestarse en la entrada de la Maison del diseñador. Por otra parte la silueta del New Look dejaba atrás la independencia y comodidad de los 20s, un retroceso que pudo atenuarse con la reaparición de Coco Chanel en 1955.

New Look de Dior 1947 – Ropa interior Warner’s 1957.

8- La Bikini

La búsqueda de comodidad en la practica deportiva femenina también se produjo en las prendas para la playa. La primera etapa del siglo XX tuvo una amplia propuesta de tipologías que fueron dejando mostrar el cuerpo y textiles que fueron perfeccionados para mayor adaptabilidad y secado. A partir del fin de la segunda guerra hace su aparición el traje de dos piezas, fue tal el escándalo que se lo apodo bikini por el sitio donde se realizaban las pruebas de la bomba atómica. En palabras de la editora Diana Vreeland: “El bikini es lo más importante desde la bomba atómica, úselo con frecuencia y úselo bien”.

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Brigitte Bardot con su bikini a fines de los 50s

 

9- La Minifalda

La revolución juvenil que marcó la década de los 60s fue uno de los cambios más importantes en cuento a silueta femenina y masculina. Hombres con pelo largo, camisas psicodélicas y sacos tres cuartos de colores vibrantes se oponían al aburrido y serio traje de tres piezas de sus padres. En el caso femenino la mejor demostración de juventud y rebelión se cristalizo en la minifalda. Diseñada por creativos jóvenes como Mary Quant y André Courreges fue sin dudas un emblema de la época y causo más de un revuelo.

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Manifestación a favor de la minifalda.

10- Bondage Punk

Los 70s manifestaron un gran descontento en la juventud a partir de la crisis económica por el petróleo. Los nuevos jóvenes querían mostrarse distintos y por fuera de las modas de los 60s. Vivienne Westwood junto con Malcolm McLaren fueron los creadores de una de las anti modas con mayor controversia del siglo XX: el punk. La provocación, la mirada andrógina y la obscenidad fueron características del movimiento que llegó a su cúspide con la colección inspirada en el bondage. La carga erotica y sexual de las tipologías diseñadas por Westwood marcó el camino de muchos diseñadores y es al día de hoy una estética irreverente y polémica.

Jordan, ícono del punk, con las colección bondage de Vivienne Westwood en su local SEX de la calle Kings Road.

Fuentes consultadas: Google Arts & Culture.

Más info para consultar:

Serie A Stitch in Time, capítulo sobre María Antonieta.

Vestido camisero, modelo del mes. Museo del Traje Madrid.

Underwear. Victoria & Alberts Museum

Inside Chanel

New Look Dior by the V&A

Documental de Vivienne Westwood

 

 

Historia II – Clase años 30

En esta clase analizamos el periodo comprendido entre la caída de la Bolsa de Wall Street y la Segunda Guerra Mundial

Los estilos de las actrices de Hollywood tienen gran influencia ya que, a pesar del contexto de crisis económica, pueden imitarse los peinados y el maquillaje.
 

Una de las diseñadoras más destacadas del período es Madeleine Vionnet, responsable de la nueva técnica de corte al bies. Vionnet contruye sus trajes directamente sobre el cuerpo o el maniquí, logrando que las prendas se adapten a la silueta y no al revés. Valiéndose de pliegues y drapeados, sus trajes recuerdan al peplo, kitón e himation de la Grecia Clásica.

Otra diseñadora de gran importancia es Elsa Schiaparelli que, a diferencia de Vionnet que se destaca por su desarrollo en cuanto a la forma y técnica constructiva de las prendas, es responsable por la estrecha relación entre vanguardias artísticas y moda. Schiaparelli trabaja con artistas como Man Ray, Jean Cocteau y Salvador Dalí. Sus prendas son extravagantes y revolucionarias. Es una de las pioneras en resignificar materiales en tiempos de escasez, usa celofán para sus bordados y hasta aspirinas a modo de botones. Lo mismo hará con los estampados, tomando motivos ordinarios de la vida cotidiana como textos de diarios o fósforos.

A continuación les dejamos un link al documental comentado en clase que relata la rivalidad entre Coco Chanel y Elsa Schiaparelli

En el calzado también se emplean materiales no convencionales, como las planchas de corcho que integran la plataforma de la sandalia creada por Salvatore Ferragamo.

Debido a la crisis económica se reduce muchísimo el uso de los bordados, dando protagonismo a las telas estampadas con motivos pequeños y sin “pie” que facilitan la yuxtaposición en cortes complejos y no tienen demasiado desperdicio.

Historia II – Clase años 20

Nuestro estudio de la historia de la indumentaria y los textiles estará siempre en relación con el análisis de los grandes acontecimientos del siglo XX. Recomendamos tener a mano para consultar el libro Historia del Siglo XX de Eric Hobsbawm. A continuación les dejamos un breve fragmento junto con el link al libro completo.

Ya en 1914 los Estados Unidos eran la principal economía industrial y el principal pionero, modelo y fuerza impulsora de la producción y la cultura de masas que conquistaría el mundo durante el siglo XX. Los Estados Unidos, pese a sus numerosas peculiaridades, son la prolongación, en ultramar, de Europa y se alinean junto al viejo continente para constituir la «civilización occidental» Historia del Siglo XX de Eric Hobsbawm