Hola, acá les dejamos las imágenes sobre el Imperio Bizantino
Resignificaciones del periodo:
Chanel Byzance 2010
Dolce Gabbana
HISTORIA I: Bizancio
UBA
Historia 1: Roma
Hola les dejamos las imágenes para Roma:
Gladiator_SandalLeather_Gladiator_Sandal
Isabel Marant 2015
Historia I: Egipto
RESIGNIFICACIONES.
Givenchy Fall Winter 2016
Chanel:
Del textil al objeto: un recorrido histórico por las fábricas europeas de la revolución industrial.
Una de las industrias más fuertes que comenzaron con la Modernidad fue la textil. El siglo XVI vio nacer talleres textiles y nuevas formas de hilatura introduciendo géneros como el terciopelo y los brocados que serían símbolo de lujo burgués y real. La revolución industrial tuvo también como eje la evolución del textil con nuevas densidades, textiles frescos y livianos para una renovada sociedad. En este recorrido veremos algunas de las fabricas emblemáticas que se desarrollaron a partir del siglo XVIII y aún continuan el día de hoy.
La Manufacture PRELLE:
Inaugurada en 1752 la fabrica Prelle es una empresa familiar que durante cinco generaciones desarrolló sedas en distintas técnicas para diseñadores, cortes, museos, decoradores y un sin fin de personajes. Situada en Lyon (Francia), una de las ciudades con mayor tradición textil desde el Renacimiento, ha sabido atesorar las técnicas artesanales de la fabricación de seda del siglo XVIII.
Una de las técnicas de tejido que aún conserva es una de las especialidades de la ciudad de Lyon denominada Chiné à la branche o lo que podría traducirse como Tejido de Urdimbre. Para lograr el paso a paso de está técnica se teje una pieza en seda con una urdimbre completa y menor hilado de trama, luego se estampa también con técnicas de cuadros artesanales y se completa el destramado a mano removiendo todo el hilado que quedo de trama. Por último se vuelve a tejer la trama con otro hilado en tono crudo y se logra un efecto expresivo simulando un esfumado. Les dejamos un video de Prelle donde se ejemplifica la técnica.
Manufacture Prelle – Making of a Warp Print from Sabine Verzier on Vimeo.
Asimismo la fábrica renovó durante los últimos años la Ópera Garnier de Paris y también para el Palacio de Catalina cerca de San Petesburgo. Estos encargos se realizan por la conservación de las técnicas artesanales si bien la fábrica Prelle hoy en día posee sistemas mecánicos y digitalizados.
Prelle – A Story of Silk and Thread | English subtitles from Sabine Verzier on Vimeo.
Algunas imágenes de los libros de motivos de la manufactura Prelle:
Prelle en la actualidad:
Se pueden encontrar las sedas y brocados de Prelle en distintos ámbitos. En el año 2017 se realizaron todos los textiles para la suite Pompadour del Hotel Le Meurice diseñado por Phillipe Stark con una atmósfera que recupera los grandes palacios del siglo XVIII y se combina con la mirada vanguardista del diseñador.
Otras colaboraciones actuales fueron las realizadas para Adidas donde crearon textiles en seda para las zapatillas de Roland Garros modelo Stan Smith:
La marca francesa de calzado Carel también decidió crear una línea de sus clásicos de los 60s con los textiles de Prelle:
Lancashire’s textile mills:
Las fábricas textiles de la zona de Lancashire en Inglaterra fueron un emblema de la revolución industrial durante los siglos XVIII y XIX. Se fundaron con el fin de realizar el proceso y tejido de fibras naturales. Si bien la gran mayoría de los textiles eran de algodón las fabricas también producían linos, sedas y lanas. Ubicadas al norte de Inglaterra estas fabricas daban trabajo a gran parte de los pobladores y subsistieron hasta entrado el siglo XX. También fueron parte de la gran migración hacía las ciudades como afirma Dewar Catherine: “El desarrollo de la industria textil tuvo un impacto fundamental en la economía, población y arquitectura de Lancashire, y para fines del siglo XIX, de una población total de más de cuatro millones, más de 500,000 fueron empleados por el industria, principalmente esa parte conectada con la producción de productos de algodón”.
La producción de lana fue una de las más fuertes durante los primeros periodos y luego fue mermando hacia el siglo XVIII dando lugar a la fabricación de algodón como fibra y tejido más importante. Si supieron realizar distintos procesos de acabado para la lanas que fueron parte de las tareas de las fabricas durante la revolución industrial.
Otros tejidos que se producían fueron el lino que provenía de la etapa medieval y se incorporó el tejido Fustian que era una mezcla de lino en la urdimbre y algodón en la trama. Este tipo de tejido era económico y se utilizaba en ropa de hombre.
En cuanto a la industria de algodón propiamente dicha, tuvo un gran auge durante el siglo XVIII por la cercanía de las minas de carbón que propiciaban el combustible para las fabricas y los nuevos medios de transporte como el tren que acercaron el norte de Inglaterra con la ciudades aledañas a Londres como Manchester que era otro centro productivo. En el siglo XIX Lancashire dominaba la producción realizando todas las etapas del proceso productivo desde la obtención, lavado, cardado, hilado, tejido, blanqueado y teñido.
The One Stripe Needlework Flower Pot Chintz Border
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Object: Printed cotton – Place of origin: Preston (printed) – Date: 1805 (block-printed)- Artist/Maker: Bannister Hall (printer) – Materials and Techniques: Block-printed cotton.
Furnishing fabric
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Place of origin:: Lancashire (made) – Date: 1906 (made)- Artist/Maker: Steiner & Co. (manufacturer) – Materials and Techniques: Roller printed cotton sateen- Credit Line: Given by the manufacturer
Three Jovial Huntsmen
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Object: Furnishing fabric – Place of origin: Lancashire (made)- Date: 1925 (made) – Artist/Maker: Tootal, Broadhurst, Lee & Co. (manufacturer) – Materials and- Techniques: Roller-printed cotton
Engraved Rose
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Object: Dress fabric – Place of origin: Lancashire (made) – Date: 1953 (designed) – Artist/Maker: Albeck, Pat, born 1930 – died 2017 (designer) Horrockses Fashions (designed for) – Materials and Techniques: printed cotton
Hacía la década de los 60s y 70s etas fabricas comenzaron a cerrar de manera masiva, casi una por semana. Esto fue debido al cambio de paradigma económico que movió toda las producción de países europeos hacia oriente en donde los costos se abarataron y las fabricas de Lancashire ya no pudieron competir. Para la década de los 80s habían desaparecido todas. Hubieron varios intentos de reabrir la industria algodonera pero hasta ahora no se ha podido reactivar, quizás un futuro de sustentabilidad siente las bases para la reapertura de una tradición inglesa.
Lancashire Mills en la década de los 50s:
Liberty Fabrics:
Arthur Liberty fue el fundador de la tienda departamental Liberty of London. Paso muchos años viajando a las partes orientales del mundo obteniendo inspiración para el desarrollo de su tienda que fundó en 1875 sobre la calle Regent en pleno centro de Londres. Importaba alfombras y telas de estos países lejanos para su comercialización y creo una tendencia hacia el exotismo y orientalismo nunca antes vistas. Involucró a William Morris y otros artistas famosos del siglo XIX en el diseño de alfombras y materiales. Tanto Arthur Liberty como los diseñadores que participaron en la creación de esta nueva tienda proponían un tipo de compra artística que mantuviera intacto el gusto por lo artesanal alejándose de las masivas tiendas que proliferaron durante el siglo XIX con la revolución industrial. En palabras de Liberty: “Estaba decidido a no seguir las modas existentes sino crear otras nuevas”.
Entre los textiles más famosos se encuentra el algodón egipcio que lleva todos los motivos más emblemáticos de la tienda. Estos textiles fueron fabricados en Merton en las afueras de Londres hasta la década de los 70s cuando comenzaron a producirse fuera de Inglaterra.
Willow
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Object: Wallpaper – Place of origin: England (made) – Date: ca. 1975 (made) – Artist/Maker: Morris, William, born 1834 – died 1896 (designer) Osborne & Little (manufacturer) Liberty & Co. Ltd. (retailer) – Materials and Techniques: Screenprint on paper.
Brooksby
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Object: Furnishing fabric – Place of origin: London (retailed) London (sold) – Date: ca. 1910 (designed) – Artist/Maker: Liberty & Co. Ltd. (retailer) Materials and Techniques: Printed cotton
Aylsham
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Object: Furnishing fabric – Place of origin: London (retailed) Date: ca. 1906 (designed) – Artist/Maker: Liberty & Co. Ltd. (retailer) – Materials and Techniques: Printed, cotton twill
Aylsham
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Object: Furnishing fabric – Place of origin: London (retailed) – Date: ca. 1906-10 (designed) – Artist/Maker: Liberty & Co. Ltd. (retailer) – Materials and Techniques: Printed, cotton twill
La tienda Liberty & Co realizó cantidad de colaboraciones desde sus comienzos con William Morris, pasando Mary Quant en los 60s y abrió aún mas estrategias comerciales a partir de los 2000’s vendiendo sus textiles hacía nuevos mercados creando participaciones con marcas como Acne Jeans, Dr Martens y Hermes entre otros.
Mary Quant por Liberty London, década de los 60s.
Acne Jeans x Liberty
Tech 21 x Liberty
Dr Martens x Liberty
Hermes x Liberty
Para saber más:
Prelle:
Lancashire’s textile mills:
Lancashire cotton Mill Museum Tour:
Liberty and Co.:
Serie Liberty of London:
Canal Youtube Liberty of London:
https://www.youtube.com/user/libertylondon/videos
Bibliografía consultada:
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Buruma, A. (2009). Liberty and Co. in the fifties and sixties: A taste for design. Antique Collectors Club Limited.
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Schoeser, M., & Dejardin, K. (1991). French Textiles, from 1760 to the Present. Trafalgar Square.
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LERI, J. M., VERZIER, G., FORRAY-CARLIER, A., VALANTIN, F., VERZIER, P., VERZIER, F., & BELLAY, M. F. D. (2002). L’art de la soie Prelle: 1752-2002: des ateliers lyonnais aux palais parisiens. Paris; Paris-Musées; Courbevoie; ACR.
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Phelps, Gregory, Miller, Wild The Textile Mills of Lancashire, The Legacy, (2016) Oxford Ar.chaeology North. Disponible en: https://historicengland.org.uk/images-books/publications/textile-mills-lancashire-legacy/textile-mills-lancashire-legacy/
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Webs:
https://www.prelle.fr/en
http://www.bacoluxury.com/liberty-and-co-a-story-of-british-textiles/
https://www.libertylondon.com/uk/information/the-store/store-heritage.html
https://www.vam.ac.uk/collections?type=featured
Cursada Virtual Historia del Diseño de Indumentaria y Textil FADU UBA: Cátedra Ex Marino
Hola! Queremos contarles a todos los inscriptos en nuestra cátedra que comenzamos la cursada virtual el 18 de junio – nuestra primera clase será el martes 23 de junio- Ambos cuatrimestres serán virtuales y se dictarán los dos niveles. Recuerden que seguimos haciendo acompañamiento virtual hasta el comienzo de clases. No dejen de suscribirse a la web: historiadeltraje.com, la suscripción figura sobre la barra lateral derecha. Ante cualquier duda o consulta recuerden que nos pueden contactar a través de las redes o por mail a cat.marino@fadu.uba.ar
Cuerpo, distancia y protección: Un recorrido histórico
En tiempos de pandemia la moda se resignifica y trabaja sobre las nuevas nociones de protección. En este recorrido histórico exploraremos ejemplos de distanciamiento social, resguardo y defensa.
Las mascaras del teatro griego.
La vestimenta en Grecia se basaba en el tipo de pensamiento racional ideal que caracterizaba a la civilización. Las prendas se producían de forma artesanal y eran un actividad de interior. La técnica utilizada era el drapeado y partían de formas geométricas básicas, un ejemplo de esto es el quitón conformado por dos paños que se unían por los hombros con fíbulas (pequeños ganchos que se utilizaron hasta la aparición del botón). Está túnica también se utilizaba por los actores en las representaciones teatrales. Para diferenciarse se crearon dos tipos de accesorios: el calzado denominado coturnos que enfatizaban la altura y las máscaras que resaltaban los rastros y comunicaban el tipo de obra si era tragedia, comedia o sátira a través de la expresión facial.
Estas máscaras llegaron a tener un gran tamaño, solían ser de mayor escala comparando con la cabeza del usuario para que pudieran verse desde la distancia y poseían complejas formas de funcionamiento en donde la forma interior podía mejorar el volumen vocal del actor.
Máscara de Comedia – 3er – 2do siglo AC – The J. Paul Getty Museum
Las corazas romanas.
Una de las civilizaciones con mayores avances en cuanto a indumentaria y accesorios de guerra es sin dudas la romana. Con antecedentes en el traje militar en los Etruscos incorporaron grandes avances por su amplia trayectoria y sus interminables victorias. La prenda defensiva del soldado romano era la coraza o también conocida como cuirass o peto de bronce. Esta lamina de bronce se moldeaba con la forma del cuerpo y podía llevarse con la cota de malla, un tejido metálico que proveía aún mayor protección. Este modo de protección ha sido resignificado por diseñadores como Paco Rabanne en los 60s.
Cuirass – 400 – 301 a.C. – Museo arqueológico de Granada.
Vestido de malla metálica creado por Paco Rabanne en 1966. Foto: Gunnar Larsen.
Los tocados medievales.
Durante la Baja Edad Media los tocados femeninos comenzaron un camino ascendente en búsqueda de una silueta esbelta y lánguida, el propósito de tales accesorios yacía en imitar la altura de las catedrales góticas y sus arcos ojivales. Estás volumétricas piezas llegaron a tamaños extremos teniendo que ser reguladas por las leyes suntuarias del momento.
Tocado con redecillas denominadas templers y velo. Infanta Beatriz de Portugal – Iglesia de Fitzalan, Sussex.
Tocado Hennin – Retrato de dama joven pintado por Hans Memling del díptico Alegoría del verdadero amor (ca. 1485).
El verdugado Renacentista.
El surgimiento y las clases poderosas de los siglos XV y XVI fueron la coyuntura propicia para el comienzo de una silueta recargada y rígida, característica del periodo. Las prendas interiores se endurecieron y dieron lugar al nacimiento del verdugado, una estructura de forma cónica o tambor que creaba volumen en las faldas. Poseía ciertas variantes en su construcción según el país de origen y se armaba en conjunto al cuerpo o corset.
Recreación de tipos de verdugado realizados por el Shakespeare’s Globe Theatre de Londres.
Marcus Gheeraerts el Joven: Ana de Dinamarca con verdugado tipo tambor (1611-1614), óleo sobre lienzo, Woburn Abbey.
Lady Macbeth vestuario de Thierry Mugler – 1985
Los Panniers y el vestido a la francesa.
La corte francesa fue de las más adeptas a los continuos cambios de la moda y una de las que fomento las extravagancias en el vestir. Durante el siglo XVIII aparecieron los panniers o tontillos que eran unas estructuras que se llevaban sobre los laterales del cuerpo debajo de la falda para crear volumen de forma horizontal. Llegaron a ser tan anchos que las mujeres debían pasar de costado por las aberturas y puertas. Esta moda tuvo su fin a finales de siglo XVIII cuando Maria Antonieta cambio hacia un estilo más natural que daría lugar al vestido redondo de principios del Neoclasicismo.
Mantua Escocesa – 1750 – 1770 – Museo Nacional de Escocia.
Thom Browne – Colección 2020.
Capotas del siglo XIX.
Un clásico modelo de las películas de Jane Austen, la capota era el acento perfecto para el vestido chemise. Con sus amplias alas laterales cubría el rostro y alejaba pretendientes indeseados. Podían estar confeccionadas con tejido de mimbre o forradas en telas como satén o terciopelo, se decoraban con flores, moños y cintas en tonos pastel. En una carta de Jane Austen a su hermana Cassandra la autora expresa sus deseos de realizar su propia capota: “La próxima semana comenzarán mis operaciones en mi sombrero, del cual sabes que dependen mis principales esperanzas de felicidad”.
Poke Bonnet – Capota – Met Museum – 1850
“Les Invisibles en Tête-à-Tête”, a French satire on the poke bonnet (called “invisible” in French), 1810s. No. 16 in the series of engravings, “Le Suprême Bon Ton” (probably from the 1810s).
Crinolinas y Polisones.
Si hablamos de distanciamiento social el siglo XIX es uno de los mejores ejemplos para mostrar cómo la silueta femenina permitía alejarse del resto de la población. La crinolina, una estructura cilíndrica que se utiliza por debajo de la falda, llegó a su popularidad a mediados del siglo. Este accesorio fue imprescindible en la moda romántica y se mantuvo en pleno auge hasta la década de los 70s cuando comienza a cambiarse hacía el polisón. El estilo victoriano de fin de siglo adopto un sistema de conjunto más serio y austero marcado por el luto de la reina Victoria. Las amplias y románticas crinolinas desaparecieron haciendo lugar a una novedosa estructura que solo dará volumen a la parte de atrás de la silueta. Se realizaron en distintos materiales como almohadillas y aceros flexibles para mayor comodidad y desaparecieron con la llegada del siglo XX.
Caricatura sobre el uso de la crinolina: An Excusable Error: Chickens believe they have found the cage where they were raised (Une Erreur Excusable) – Honoré Daumier1857 – Davison Art Center, Wesleyan University – Middletown, Estados Unidos
Vestido con polisón- Dress with bustle – Vestido con polisón 1884-1886 – Met Museum
Sombrero rueda de carro – Belle Epoque.
La década más opulenta y exótica del siglo XX promovió una silueta sinuosa en forma de reloj de arena que puede verse representada en las fotografías de la actriz Camille Clifford, también denominada Gibson Girl por las famosas ilustraciones de Charles Dana Gibson. Los vestidos con cola latiguillo se completaban con un amplio sombrero que se llamo Cart Wheel Hat (Rueda de carro) porque por sus amplias dimensiones parecía más un accesorio para el automóvil que para vestir.
Fotografía de Mademoiselle Lautelme con sombrero rueda de carro.
Cart Wheel hats – Belle Epoque.
Ballet Triádico – Bauhaus.
Llegados los 20s comenzamos a ver una nueva oleada de experimentación dada por el fin de la primera guerra que abre camino a una era de modernidad, cargada de aceleración, progreso y optimismo. La escuela de artes y oficios Bauhaus poseía variados talleres en donde los alumnos expresaban las nuevas ideas para un nuevo mundo. Un destacado profesor fue el director del Ballet Triádico Oskar Schlemmer que permitió a los alumnos manifestarse a través de las prendas creando vestuario a partir de siluetas extra corporales que revisitaban la noción de cuerpo como soporte, el color y la materialidad. Sus presentaciones fueron y son grandes influencias en el vestuario de cantantes, performers y artistas visuales.
Vestuarios Ballet Triádico – Bauhaus.
La era espacial de los 60s y sus accesorios.
El boom de la juventud en los 60s tuvo un claro objetivo, diferenciarse del mundo adulto y proponer nuevas temáticas de diseño joven. Los nuevos materiales como el pvc, el poliéster, el vinilo y técnicas de estampado simples como la sublimación aportaron color y frescura a los diseños. Una de las temáticas más recurrentes de lo diseñadores fue el fanatismo por la era espacial marcada por el comienzo de la guerra fría y la llegada a la luna por parte de Estados Unidos en 1969. Cascos de tipo espacial, botas metalizadas, amplios tapados traslúcidos eran recurrentes en las colecciones de André Courreges, Paco Rabanne, Pierre Cardin y Mary Quant.
Conjunto de André Courrèges , fotografía de Peter Knapp, 1965.
Celia Hammond y Pattie Boyd con cascos de fieltro diseñados por Edward Mann. Foto de John French, 1965.
Jean Shrimpton por Richard Avedon, 1964.
La exageración de los 80s.
Una amplia línea de hombros caracterizo la silueta femenina y masculina durante la década de los 80s. Diseñadores cómo Claude Montana y Thierry Mugler llevaron al extremo la extravagancia y opulencia del power dressing característico de la era. Los trajes sastres llegaron a medidas inverosímiles y dieron lugar al accesorio del momento: las hombreras. Como expresa Thierry Mugler en una de sus entrevistas sobre su éxito durante los 80s: “La moda es una película. Todas las mañanas cuando te vistes, te diriges a ti mismo”.
Desfile de THIERRY MUGLER, PRÊT-À-PORTER, COLLECTION AUTOMNE-HIVER 1995-96 À PARIS EN MARS 1995, FRANCE. COURTESY OF GETTY IMAGES.
CARDI B AT THE 61ST ANNUAL GRAMMY AWARDS WEARING FALL 1995 COUTURE MUGLER. COURTESY OF GETTY IMAGES.
Claude Montana – Década de los 80s.
Repensando el cuerpo: los 90s y Rei Kawakubo.
Si bien la diseñadora Rei Kawakubo formó parte de la primera oleada de diseñadores durante la década de los 80s, su forma de re trabajar el cuerpo con novedosos sistemas de sostén, siluetas extra corporales y formas arquitectónicas lograron expandirse durante la primera etapa de los 90s influenciando a una amplia generación de diseñadores que ya no volvería a pensar la silueta sin la experimentación. Trajes que toman volúmenes inauditos, protuberancias que emergen por fuera de los estándares de belleza occidental y estructuras sólidas que llevan el cuerpo a una obra de arte son algunos de los aportes de una de las diseñadoras que más trabajaron el distanciamiento social tanto en la moda como en la vida personal.
Retrospectiva en el Met sobre Rei Kawakubo – Art of the In-Between Met Gala 2017.
Diez modas escandalosas que marcaron la Historia.
A partir del siglo XVI la moda marcó los distintos periodos a través de siluetas y prendas que en muchas ocasiones resultaron escandalosas. Quizás parezcan inofensivas en el mundo actual pero causaron gran revuelo cuando se introdujeron. Las formas de vestir pueden fomentar cambios sociales y la muerte de ciertas convenciones, en este post veremos ejemplos de prendas que marcaron nuevos tiempos y crearon una impresión duradera.
1- El Gaulle de María Antonienta.
Si existe un personaje atrayente para la historia del traje es sin dudas Maria Antonieta. La moda fue siempre una de sus debilidades y en cada elección vestimentaria causó revuelo para la monarquía que desaprobó muchas de sus desiciones así como también para la sociedad parisina.
Hacia fines de siglo XVIII en un afán por mostrarse más simple dadas las presiones sociales del periodo, la reina opto por vestir con textiles novedosos creados en Inglaterra y que poseían una característica provocadora, su translucidez. En la obra de 1783 de Le Brun, el vestido denominado Gaulle realizado en muselina propone una silueta despojada de los grandes decoros de la corte y con una impronta de ropa interior. La obra causo disgusto en la monarquía y tuvo que ser re-pintada por el artista cambiando el atuendo por uno que se adapte a las reglas de la corte.
Marie Antoinette por Le Brun en sus dos versiones de 1783.
2- El vestido Chemise.
Siguiendo la sintonía de la revolución francesa, el primer periodo del siglo XIX formalizo el uso de los textiles translucidos que había propuesto la abatida reina de Francia. El chemise, un vestido realizado en percalina o muselina, de talle alto, mangas cortas y larga falda se volvió popular entre las mujeres aristocráticas. La prenda dejaba poco para la imaginación, se llevaba sin corset lo que se consideró casi desnudez y fue retratado de forma caricaturesca durante los años que perduro.
Vestido Chemise, Costume Parisien.
3- El Corset del Romanticismo.
A mitad de siglo XIX el corset volvió a escena con nuevas características de flexibilidad y “comodidad” propuestas por los avances de la confección durante la revolución industrial. En el caso del corset romántico y luego de estilo victoriano se profundizó el ajuste en el sector de la cintura llegando a medir 42 cms. Si bien fue cambiando de forma hasta su desaparición a principios de siglo XX, promovió una silueta opresiva para el cuerpo de la mujer y se mantuvo en la polémica durante todo el siglo. Médicos y grupos cómo la Sociedad del vestido Racional insistieron en su desaparición siendo en gran parte artifices del cambio que se logró a partir de la Belle Epoque.
Corset del siglo XIX, Museo Victoria & Albert de Londres.
4- El retrato de Madame X
Madame X o Portrait of Madame X es el título de un retrato de John Singer Sargent basado en una joven socialité, Virginie Amélie Avegno Gautreau, esposa del banquero francés Pierre Gautreau. Fue pintada no como una comisión, sino a pedido de Sargent. La obra original y sus estudios previos proponían a la mujer con un vestidos negro de finos breteles. Sobre uno de los hombros el brete caía insinuando una sensualidad que fue recibida con escándalo en la sociedad parisina acusándola de indecente. El pintor al igual que Le Brun tuvo que rehacer la obra para cumplir con las convenciones sociales de finales de siglo XIX.
Madame X por John Singer Sargent.
5- Bloomers
La activista Amelia Bloomer propuso a mediados de siglo XIX una prenda que permitiera mayor comodidad a las mujeres a la hora de practicar deportes. La revolución industrial traía grandes inventos como el perfeccionamiento de la bicicleta pero era muy difícil para las mujeres poder disfrutar dadas las condiciones de su silueta que incluían la crinolina y el corset. Bloomer creo un pantalón de amplio volumen que pudiera simular la silueta extra corporal de las faldas del momento pero que a su vez permitiera a las mujeres pedalear sin ataduras. La prenda causo controversia y fue desechada por promover un estilo masculino en las mujeres. A finales del siglo, acompañada por la sociedad del Vestido Racional, Bloomer volvió a imponer su idea, esta vez con éxito.
Modas femeninas para ciclistas.
6- The LBD – El vestido negro.
La opulencia de la Belle Epoque llegó a su fin con el nuevo estereotipo de la mujer estilo Garconne luego de terminada la primera guerra. La silueta de los 20s instalaba un falda corta por debajo de la rodilla, brazos al descubierto y pocas curvas. La diseñadora Gabrielle “Coco” Chanel impuso el vestido negro de lineas simples creando una de las prendas comodín y más famosas de la historia de la moda. El LBD causo revuelo por sus líneas simples y el uso del color negro que hasta el momento estaba asociado preferentemente con el luto.
LBD por Chanel
7- New Look de Dior
En 1947 Christian Dior presenta su primera colección la cual denomino Corola. Inspirado en la flor y con reminiscencias de la Belle Epoque y el Rococó instaló la famosa silueta New Look. Una vuelta a los grandes metrajes de tela, que habían sido racionados durante la guerra, y un traje de hombros suaves y redondeados causaron gran revuelo. Por un lado la sociedad parisina se escandalizo al ver que la moda podía volver a su glamour y a los grandes gastos textiles dada la situación económica de posguerra llevando a muchas mujeres y hombres a manifestarse en la entrada de la Maison del diseñador. Por otra parte la silueta del New Look dejaba atrás la independencia y comodidad de los 20s, un retroceso que pudo atenuarse con la reaparición de Coco Chanel en 1955.
New Look de Dior 1947 – Ropa interior Warner’s 1957.
8- La Bikini
La búsqueda de comodidad en la practica deportiva femenina también se produjo en las prendas para la playa. La primera etapa del siglo XX tuvo una amplia propuesta de tipologías que fueron dejando mostrar el cuerpo y textiles que fueron perfeccionados para mayor adaptabilidad y secado. A partir del fin de la segunda guerra hace su aparición el traje de dos piezas, fue tal el escándalo que se lo apodo bikini por el sitio donde se realizaban las pruebas de la bomba atómica. En palabras de la editora Diana Vreeland: “El bikini es lo más importante desde la bomba atómica, úselo con frecuencia y úselo bien”.
Brigitte Bardot con su bikini a fines de los 50s
9- La Minifalda
La revolución juvenil que marcó la década de los 60s fue uno de los cambios más importantes en cuento a silueta femenina y masculina. Hombres con pelo largo, camisas psicodélicas y sacos tres cuartos de colores vibrantes se oponían al aburrido y serio traje de tres piezas de sus padres. En el caso femenino la mejor demostración de juventud y rebelión se cristalizo en la minifalda. Diseñada por creativos jóvenes como Mary Quant y André Courreges fue sin dudas un emblema de la época y causo más de un revuelo.
Manifestación a favor de la minifalda.
10- Bondage Punk
Los 70s manifestaron un gran descontento en la juventud a partir de la crisis económica por el petróleo. Los nuevos jóvenes querían mostrarse distintos y por fuera de las modas de los 60s. Vivienne Westwood junto con Malcolm McLaren fueron los creadores de una de las anti modas con mayor controversia del siglo XX: el punk. La provocación, la mirada andrógina y la obscenidad fueron características del movimiento que llegó a su cúspide con la colección inspirada en el bondage. La carga erotica y sexual de las tipologías diseñadas por Westwood marcó el camino de muchos diseñadores y es al día de hoy una estética irreverente y polémica.
Jordan, ícono del punk, con las colección bondage de Vivienne Westwood en su local SEX de la calle Kings Road.
Fuentes consultadas: Google Arts & Culture.
Más info para consultar:
Serie A Stitch in Time, capítulo sobre María Antonieta.
Vestido camisero, modelo del mes. Museo del Traje Madrid.
Underwear. Victoria & Alberts Museum
Documental de Vivienne Westwood
Clase 1980 – 1990
Les dejamos las imágenes de la clase sobre los 80s.
Resignificaciones:
Historia I: Romanticismo.
John Galliano Spring 2019
Isabel Marant 2018
HISTORIA I: Rococó
Louis Vuitton SS18
Thom Browne SS20
