Historia I – Barroco

Este es el resumen de la clase sobre Barroco que trabajamos en base al libro de Carlos Bembibre “Del Barroco al Rococó: indumentaria, encajes y bordados”.

Podemos analizar la evolución del traje durante el siglo XVII y principios del XVIII tomando cada uno de los reinados franceses como una etapa con sus características propias.

Enrique IV y minoridad de Luis XIII 1589-1617

El traje continúa teniendo un estilo nacional en Europa, con sus principales exponentes en Francia, España e Inglaterra.

El estilo español se caracteriza por ser es el más conservadora diferencia del francés que es el más moderno y exhuberante. Conviven algunos elementos tradicionales con otros más novedosos, en la imagen anterior se muestran como ejemplo los distintos modelos de cuello.

Elizabeth I gobierna Inglaterra hasta su muerte en 1603, influenciando fuertemente el estilo femenino de los primeros años del Barroco.

Es importante entender el contraste entre el traje inglés y el español, las diferencias en la silueta son significativas y muy notables en la forma que cobra la falda, cilíndrica o cónica, de acuerdo al estilo de armazón que lleven para ahuecarla.

La imagen que sigue muestra un corset francés de fines de siglo XVI, consiste de 3 piezas rígidas de hierro articuladas con bisagras laterales. Se forraba con textiles pesados y resistentes y se llevaba sobre una camisa que era la primera piel.

Luis XIII 1617-1643

Se conoce a este período de la historia del traje con el nombre de “estilo mosquetero”.

Durante el reinado de Luis XIII se consolida el rol de Francia como árbitro de la moda europea.

Si bien los zapatos no se abandonan totalmente, las botas son las favoritas debido a la gran influencia militar en la vestimenta civil.

La gorguera desaparece por completo dejando lugar al cuello de banda caída.

La silueta femenina pierde la rigidez geométrica de la etapa anterior y se caracteriza por la superposición de prendas superiores, faldas y vestidos en tonos contrastantes dispuestos teatralmente sobre el cuerpo.

Los escotes son cada vez más pronunciados y pueden cubrirse parcialmente con pañuelos translúcidos o con la misma camisa que se lleva debajo. Las mujeres sólo llevan sombrero en el exterior, tanto para montar a caballo o para situaciones relacionadas con la caza.

Recordemos que los niños visten igual a los adultos.

Luis XIV 1643-1715

Contraste entre la corte francesa (izquierda) y la corte suiza (derecha). Lo mismo sucede con la corte española en la imagen siguiente.

El cabello de lleva largo o se usa una peluca larga y rizada. Se priorizan los zapatos por sobre las botas.

Al cuello de banda caída se superponen el jabot y la cravat.

Los cambios en el traje femenino son menores. Se impone un nuevo escote con forma de bote y el peinado de moda con rizos y recogido a los lados se denomina a la sevigné

Vimos como ejemplo de vestuario en cine algunas imágenes de la película “La Favorita” dirigida por Yorgos Lanthimos con vestuario de Sandy Powell, en la que se retrata a la Reina Anne de Inglaterra a principios del siglo XVIII.

Les dejamos algunas resignificaciones en comparación con las imágenes de época para poder analizar cómo algunos diseñadores reinterpretan los conceptos barrocos

Historia I: Clase Baja Edad Media

A continuación publicamos un resumen de la última clase

Les dejamos, a modo de introducción, algunas imágenes referentes a la Temprana y Alta Edad Media para mostrar la evolución hacia el traje ajustado, cosido y cerrado de la Baja Edad Media.

Acá hacemos un resumen de las prendas, accesorios y textiles siguiendo el capítulo de François Boucher para los siglos XIV y XV.

Hacia mediados del siglo XIV aparece un traje nuevo, que comienza a realzar las formas del cuerpo. Las primeras ideas humanistas sobre el individuo y la incipiente vida urbana requieren una indumentaria adecuada.

 Al emerger una burguesía rica que se elevaba al nivel de la nobleza, el traje se transformó en un medio de expresión de ascenso económico para los comerciantes y de preeminencia para los nobles.

La belleza del cuerpo femenino se valora y destaca con los nuevos trajes. Sobre las prendas de uso íntimo se lleva un primer vestido conocido como cota o saya.

Hay gran variedad de prendas que se usan por encima de la cota, destacamos principalmente la cotardía, hopalanda y sobreveste.

La cotardía se caracteriza por su escote pronunciado en forma de V, ribeteado en piel, así como puños y ruedo. El talle se marca debajo del busto con un cinto ancho que ciñe la prenda generando frunces verticales en la falda. Esta cubre las piernas por completo y generalmente tiene cola de largos variables (a mayor largo, mayor rango social). Las mangas de la cotardía serán muy estrechas a diferencia de las de la hopalanda.

Esta prenda, a diferencia de la anterior, no es de uso exclusivo femenino, tanto hombres como mujeres llevan la hopalanda.
La hopalanda es la más amplia, suelta y pesada de todas las prendas exteriores. Su característica principal es la amplitud y largo desmedido de las mangas. Además del exagerado tamaño, las mangas tienen decoraciones intrincadas y recortes que aportan fantasía a la solemnidad de la prenda.
Al igual que la cotardía, requiere de un cinto que ciñe el talle debajo del busto o en la cintura. La cola de esta prenda, al igual que sus mangas, es de un largo descomunal.

El sobreveste es una prenda exterior que, al igual que las prendas anteriores, se lleva sobre la cota o saya. Generalmente reservada para la aristocracia y para ceremonias, este sobre-vestido no posee mangas y está muy abierto en los laterales, dejando ver (y resaltando) la cintura ajustada y la cadera destacada por un cinto suelto. Los surcotes de mayor nivel están ribeteados en piel a contratono.

Es muy característico de este periodo la novedad, importancia y variedad de tocados. Los más destacados en el caso de las mujeres van desde la simpleza de un par de templers (rodetes moldeados y sostenidos por redecillas) a la extravagancia de un tocado mariposa (a partir de la combinación de templers con una estructura de alambre y un paño translúcido)

La gran novedad de la época en el traje masculino es la aparición del traje corto.
El reemplazo del traje largo por uno corto requiere de importantes modificaciones en las prendas inferiores. Las calzas dejan de ser dos piezas separadas para transformarse en calzas de cola, una sóla prenda que cubre por completo la parte inferior del cuerpo desde la cintura. Las “piernas” se cosen entre sí e incorporan una pieza triangular llamada braye que cubre la abertura delantera y trasera. Este será el antecedente directo de la bragueta.

Se conoce vulgarmente a esta prenda con el nombre “calzas de cola”. Recordemos que están confeccionadas en tejido plano, tratando de seguir lo más fielmente posible la forma de la pierna, pero a pesar de su idealización en las representaciones, no podían ser adherentes.
Para sostenerlas en su lugar se atan fuertemente con cordones a las bragas y posteriormente al jubón.

El jubón es la prenda a tener en cuenta para los periodos históricos siguientes; es muy dificil precisar sus características exactas ya que su forma es cambiante de acuerdo al rol social del usuario, región geográfica, etc.. Es importante analizar los recursos que se utilizan para unir entre sí las piezas que componen la prenda, permitiendo el movimiento de quien la lleva. Tiene su origen en la indumentaria militar, usado como nexo entre el cuerpo y las placas metálicas de la armadura, de allí su rigidez y espesor.

El jubón es una prenda que cubre el torso, bastante rígida y de mangas ajustadas. Suele llevarse debajo de otras prendas como la huque u hopalanda, pero su uso como prenda exterior se va acentuando con el paso de los años.

Debido a su estrechez y la rigidez de los materiales con que se confecciona, es necesario vincular partes de la prenda con cordones y hojales que habiliten el movimiento, principalmente en hombros y codos.

 

La huca se caracteriza por su falta de mangas y por las aberturas a los lados del cuerpo. Al igual que otras prendas exteriores, sus bordes están ribeteados en piel.

Debajo de la huca podemos distinguir el jubón y las calzas negras. Las imágenes superior e inferior forman parte del calendario “Las muy ricas horas del Duque de Berry”. Este libro de horas es de gran importancia para el estudio del traje del siglo XV.

La hopalanda, de características similares a la femenina, puede ser corta para uso del hombre. El garde-corps es una prenda exterior, también compartida por ambos sexos, suelta, abierta y flotante, generalmente sin mangas o con mangas cortas y amplias.

Todas las prendas anteriormente citadas conviven entre sí, favoreciendo unas u otras de acuerdo al clima, edad del usuario, situación de uso, etc

 

Entre la variedad de tocados masculinos tenemos el capirote, derivado de la caperuza o capucha. A la caperuza (ya separada, independiente de la capa) se le suma una larga banda que permite sujetar el tocado a la cabeza del usuario creando una gran variedad de formas y estilos.

El calzado también toma las líneas puntiagudas del gótico dominante y las exagera hasta el límite que las leyes suntuarias le permiten.

Al igual que en el largo de las colas de las faldas o la altura de los tocados, a mayor longitud mayor será el rango social de quien lo porta.

El patin se utiliza como complemento del zapato para el exterior, aísla de la humedad del suelo y proteje el cuero de ensuciarse con barro. Generalmente están realizados en madera y cuero. Un par de estos puede verse retratado en “El matrimonio Arnolfini”, dispuestos en el piso a la izquierda de los pies del protagonista.

Desde tiempos de los legionarios romanos hasta principios del siglo XIV la cota de malla era el tipo de protección corporal predominante y más eficaz conocido en Europa. Desde aproximadamente mediados del siglo XV en adelante, la malla se utilizó junto con una armadura completa para cubrir los espacios entre las placas. Se hicieron mangas de malla para usar con una coraza (peto y placa posterior); paneles de malla en forma de fuelle cubrían las axilas o los codos y estaban unidos a chaquetas de cierta rigidez especialmente diseñadas para usar debajo de la armadura (origen del jubón)

Un libro de horas y el estuche en el que se guardaba para protegerlo. El rol de los textiles es de gran importancia en la competencia por la igualación/diferenciación social. Al ser todas las prendas de uso extendido en las diferentes clases sociales, el material con el cual se confeccionan es el factor distintivo: brocado, damasco, terciopelo y raso para la nobleza (ver Duque de Berry), y paños muy coloridos para los burgueses (ver matrimonio Arnolfini).

Resignificaciones contemporáneas

Historia II – Clase años 30

En esta clase analizamos el periodo comprendido entre la caída de la Bolsa de Wall Street y la Segunda Guerra Mundial

En la tapa de la revista Vogue de 1932 podemos apreciar como vuelven a valorarse las curvas femeninas y se abandona la silueta geométrica al estilo Garçonne

Los estilos de las actrices de Hollywood tienen gran influencia ya que, a pesar del contexto de crisis económica, pueden imitarse los peinados y el maquillaje.

La línea de hombros suele ser el foco de atención, tanto en prendas sastreras con hombreras y otros recursos que generan hombros bien rígidos, como en vestidos de noche con formas blandas construyendo grandes volúmenes.


Una de las diseñadoras más destacadas del período es Madeleine Vionnet, responsable de la nueva técnica de corte al bies. Vionnet contruye sus trajes directamente sobre el cuerpo o el maniquí, logrando que las prendas se adapten a la silueta y no al revés. Valiéndose de pliegues y drapeados, sus trajes recuerdan al peplo, kitón e himation de la Grecia Clásica.

Otra diseñadora de gran importancia es Elsa Schiaparelli que, a diferencia de Vionnet que se destaca por su desarrollo en cuanto a la forma y técnica constructiva de las prendas, es responsable por la estrecha relación entre vanguardias artísticas y moda.

Schiaparelli trabaja con artistas como Man Ray, Jean Cocteau y Salvador Dalí. Sus prendas son extravagantes y revolucionarias. Es una de las pioneras en resignificar materiales en tiempos de escasez, usa celofán para sus bordados y botones de cerámica imitando aspirinas. Lo mismo hará con los estampados, tomando motivos ordinarios de la vida cotidiana como textos de diarios o fósforos.

En 1936 el rey Eduardo VIII abdicó a la corona británica por amor a Wallis Simpson, una americana dos veces divorciada lo cual generó terrible escándalo.

duque de windsor

“Los retratos de boda –que como cabía esperar, teniendo en cuenta que el novio era el primer rey de Inglaterra en renunciar a su empleo, dieron la vuelta al mundo– los disparó Cecil Beaton. […] Wallis, para distinguirse de la aburridísima familia real británica, se vistió con piezas de la noble italiana surrealista Elsa Schiaparelli. Un vestido, en particular, llamó la atención de todos. La pieza –de chifón blanco, escote cuadrado y tirantes– tenía estampada una gamba dibujada por Salvador Dalí en la entrepierna” extracto de la nota Cómo Cecil Beaton obró el milagro de convertir a los Windsor en carismáticos del diario El País.

A continuación les dejamos un link al documental comentado en clase que relata la rivalidad entre Coco Chanel y Elsa Schiaparelli

En el calzado también se emplean materiales no convencionales, como las placas de corcho que integran la plataforma de la sandalia creada por Salvatore Ferragamo.

Debido a la crisis económica se reduce muchísimo el uso de los bordados, dando protagonismo a las telas estampadas con motivos pequeños y sin “pie” que facilitan la yuxtaposición en cortes complejos y no tienen demasiado desperdicio.

Schiaparelli | Haute Couture Spring Summer 2020

Historia I – Grecia

Acá les dejamos un resumen de la clase del último martes

“Lekythos con mujeres tejiendo lana y una mujer flanqueada por jóvenes y doncellas.
Se cree que este lekythos (frasco de aceite) fue encontrado junto con otro, también conservado en el Museo, cuyo tema es una procesión nupcial en la que una novia es llevada de noche a la casa del novio. Quizás las dos vasijas eran regalos de boda que acompañaron a la desposada en su tumba. Aquí se ilustra en detalle la manufactura de tejidos, una importante tarea doméstica, con especial énfasis en un telar vertical. A ambos lados del telar unas mujeres pesan e hilan lana, y doblan piezas de tela. Estas escenas tienen lugar en la parte de la casa reservada para las mujeres”  en colección de MET New York

Resignificaciones de los primeros años del Siglo XX

Resignificaciones en colecciones de los últimos años

Historia II: Belle Époque 1890 – 1914

Acá les dejamos una selección de imágenes y videos de la clase que comprende los años 1890 – 1914, período conocido como Belle Époque

El estilo de la vestimenta femenina en las grandes ciudades occidentales se basa principalmente en el desarrollado en Paris.

Charles Frederick Worth es el modisto inglés que lideró la moda parisina durante la segunda mitad del Siglo XIX, bajo el dominio de Napoleón III. Vistió entre otras figuras muy relevantes a la española Eugenia de Montijo, emperatriz de Francia (esposa de Napoléon III). Charles estableció su casa “House of Worth”, donde preparaba una variedad de diseños que presentaba en vivo a sus clientas, lucidos por modelos. A partir de esta muestra las clientas seleccionaban las piezas de su interés para ser posteriormente confeccionadas a medida en el atelier. Luego del fallecimiento del fundador en 1895 “House of Worth” continuó exitosamente con su producción a cargo de tres generaciones familiares hasta su cierre en 1952.

Tanto en la silueta como en la ornamentación de los trajes y accesorios vemos una fuerte influencia del Art Nouveau, el estilo artístico y decorativo predominante durante la Belle Époque francesa. Este movimiento también tiene lugar en otros países, y si bien comparte muchas características formales con el estilo francés, desarrolla también sus particularidades así como su propio nombre: Modernismo en España, Secession o Jugendstil en Austria y Alemania, Liberty en Italia. Pueden acceder a más información sobre este tema en nuestra publicación Siglo XIX reformas en diseño

Estamos en la era de oro de las tiendas departamentales o grandes almacenes situados en las principales ciudades europeas y de Estados Unidos. La demanda de estas tiendas se debe a la creciente población urbana de clase media próspera que puede acceder con inmediatez al consumo de productos de cierto lujo que gracias a la industrialización comienzan a ser producidos en masa. Algunas de estas tiendas, entre muchas otras, son Le Bon Marche en Paris, Bloomingdale’s en New York y Harrod´s en Londres.

Una muestra de la expansión de esta manera de comercialización podemos encontrarla en Buenos Aires, donde en 1914 se inaugura la sede porteña de Harrod’s que estuvo abierta al público hasta finales de los años noventa. Podemos ver el interior de esta gran tienda, situada en la calle Florida muy cerca de la estación Retiro, en escenas de la película ¨La vendedora de fantasías¨ (1950) dirigida por Daniel Tinayre y protagonizada por Mirtha Legrand.

Esta creciente sociedad urbana también empieza a tener gran interés y acceso a la práctica de variados deportes como recreación, dando lugar a trajes que irán adquiriendo lenguajes específicos para cada disciplina.

¨Un nuevo y shockeante tipo de mujer está emergiendo: la mujer deportiva¨ anuncia el locutor en el siguiente video que registra estas prácticas en Paris a comienzo de siglo.


Entre las mujeres que shockean a los sectores conservadores de la sociedad se encuentran también las actrices, las bailarinas, las artistas y casi toda mujer de ideas modernas que quiera desarrollarse en alguna profesión. Esta situación está muy pronta a modificarse ya que el rol femenino en el espacio social y laboral va a cambiar drásticamente durante y después de la Primera Guerra Mundial. Podemos citar como ejemplo de estas mujeres vanguardistas a la actriz Sarah Bernhardt, la escritora Colette y la diseñadora Emilie Flöge.


Sergei Diághilev, ideó todo un microcosmos vanguardista dentro de la corriente modernista y orientalista de principios de siglo XX, renovando el ballet, la danza y la coreografía por medio de los Ballets Rusos. Su gran influencia alcanzó a la moda y a las artes decorativas de la época, reuniendo a los mejores y más novedosos artistas contemporáneos, convirtiéndose en un fenómeno social y cultural, cuyo legado aún sigue existiendo hoy en día. Teresa Montiel Alvarez (2016). Sergei Diághilev, La renovación del ballet. ArtyHum. Revista de Artes y Humanidades, 24 93-104.


Finalizamos con algunas resignificaciones de estos estilos durante las primeras décadas del Siglo XXI

 

Danza y Moda

La danza en la corte francesa – orígenes del ballet
ANONYME FRANÇAIS ( XVIe siècle)Bal à la cour des ValoisVe...

Bal à la cour des Valois (c.1582) Caulery

El ballet y la ópera comenzaron en el siglo XVII, como elaborados espectáculos diseñados en las cortes europeas a modo de entretenimientos extravagantes, utilizados para celebrar matrimonios o mostrar la riqueza y el poder del gobernante. Con actuaciones que eran una mezcla entre palabra hablada, música, danza y pantomima, desarrollaban procesiones ceremoniales con espectaculares efectos técnicos y trajes extravagantes. Las historias se inspiraban en los mitos de la antigua Grecia y Roma o se basaban en temas como las cuatro estaciones, el mundo natural o las tierras extranjeras.

Los trajes eran ingeniosos y fantásticos, decorados con símbolos que ayudaban al público a reconocer a los personajes de la historia. El movimiento a menudo estaba limitado por el tamaño de estos trajes. Originalmente los ballets de la corte fueron protagonizados por la aristocracia y la realeza en las habitaciones y jardines de sus palacios. Los bailes se basaban en las danzas sociales de las cortes reales, con elegantes movimientos de los brazos y la parte superior del cuerpo, y elaborados patrones de piso.

Luis XIV como Apolo en Ballet de la nuit 1653 – By Henri de Gissey

El rey Luis XIV de Francia, conocido como el Rey Sol, encarnó al dios Apolo en Le Ballet de la Nuit (El Ballet de la Noche) a la edad de 15 años.

La lezione di danza 1741 c. – Pietro Longhi

Estos enormes espectáculos ayudaron a mantener a los cortesanos entretenidos la vida en la corte podía ser monótona y aburrida, y saber bailar era un logro social necesario.

Eventualmente se hizo imposible para los bailarines aficionados alcanzar los estándares exigidos por los maestros y compositores de baile, y entonces las tradiciones del ballet y la ópera se separaron comenzando a desarrollarse de forma independiente, hasta que en 1661 se estableció en Francia la Académie Royale de Danse. Allí se capacitó a los primeros bailarines de teatro profesionales y el baile se trasladó de la corte a los teatros públicos.

Estas espectaculares celebraciones de la corte francesa están representadas en la película Marie Antoinette dirigida por Sofia Coppola en el año 2006. En la siguiente escena podemos ver al sucesor al trono de Francia, futuro Luis XVI, bailando el minué con su esposa Maria Antonieta. Ella, como la mayoría de las mujeres en el salón, lleva un vestido a la francesa o Watteau que se caracteriza por las amplias tablas verticales que parten del escote trasero.

La danza y la moda en el Siglo XIX

Después de la Revolución Francesa de 1789 las mujeres abandonaron los paniers y corsés, que vemos en María Antonieta, por vestidos chemise de estilo griego que enfatizaban el cuerpo.

La Dance a l’Eveque’ James Gillray 1796

Las bailarinas siguieron la moda y el uso de estos vestidos significó que podían realizar un mayor rango de movimiento. Ahora usaban zapatillas planas, lo que permitía una mayor flexibilidad en el pie, y las mujeres desarrollaron el truco de levantarse de puntillas (en punta demi). Los trajes de los hombres también reflejaban la moda llevando una chaqueta y pantalones ajustados. Ahora que los trajes se habían vuelto más libres, hombres y mujeres podían bailar juntos.

Bal de Société 1804 Jean François Bosio

Estas escenas de baile de principios de siglo XIX son retratadas de manera satírica por el artista Jean François Bosio y resignificadas en el film Emma. (2020) dirigido por Autumn de Wilde.

En la película “La Edad de la Inocencia” (1993) dirigida por Martin Scorsese podemos ver otra escena de baile, esta vez situada en la segunda mitad del siglo XIX en la ciudad de New York. Durante el transcurso de la escena la voz en off va contándonos sobre las características de los salones de baile y el ceremonial requerido a un caballero al ingresar al salón (la película está disponible actualmente en Netflix, esta escena se desarrolla a partir del minuto 7)

El volumen generado en la falda gracias a la crinolina, que en sus inicios era concéntrico, se va desplazando hacia atrás hasta llegar alrededor de 1870  a concentrarse exclusivamente en la parte trasera debajo de la cintura. Esta nueva forma de la falda, imperceptible si vemos a la mujer de frente, se lograba con el uso del polisón.

“Too Early” James Jacques Tissot (1873)

El registro de estos años en el ámbito del ballet es muy conocido por el trabajo de Edgar Degas. En su pintura “La clase de danza” de 1874 podemos encontrar muchos paralelismos entre el traje, accesorios y peinado de las bailarinas y de las damas retratadas en la llegada al baile Too Early por Tissot.

La clase de danza (1874) Edgar Degas

La danza y los diseñadores a partir del Siglo XX

La relación entre la danza y la moda continúa hasta nuestros días. Son muchos los diseñadores que se inspiraron en el vestuario de los ballets o que lo produjeron. Uno de los exponentes más destacados en este ámbito es el modisto francés Paul Poiret quien, durante los años previos a la Primera Guerra Mundial y a partir de su  fascinación con el vestuario y escenografías de Leon Bakst, llevó el estilo de los Ballets Rusos de Diaghilev a la moda femenina.

Vestuario Scheherazade (1910) por Leon Bakst

Este conjunto fue realizado para la fiesta “Las mil y dos noches” organizada por Paul Poiret en 1911 para promover sus nuevas creaciones en todo el esplendor y glamour de la tendencia orientalista.

1911 Paul Poiret

Años más tarde será el turno de Gabrielle Chanel de colaborar con el vestuario de la compañía de Ballet Rusos en la obra Le Train Bleu de Jean Cocteau. El creciente gusto por el deporte y las actividades en las playas de estos años queda plasmado en este ballet, donde se representan estas y otras actividades desarrolladas en las costas francesas que recorre el tren que da nombre a la obra.

Le Train Bleu Premiered June 20, 1924 Le Train Bleu is a ballet in ...

Le Train Bleu (1924)

La diseñadora Madeleine Vionnet también se inspiró en la danza, particularmente en la bailarina Isadora Duncan, estudiando sus coreografías para comprender mejor el cuerpo en movimiento. Con motivo del centenario de su surgimiento la casa Vionnet Paris lanzó en 2012 un cortometraje en homenaje a la bailarina que evidencia la continua conexión de la marca con el mundo de la danza.

Otro gran ejemplo de la relación entre danza y moda es el vestuario de la película Black Swan de 2010 dirigida por Darren Aronofsky. Las hermanas Mulleavy de Rodarte crearon los trajes de baile que llevan Natalie Portman y Mila Kunis poniendo en juego la fantasía y oscuridad de la competencia en este universo que bien retrata “El cisne negro”.

Marchesa sketches for Black Swan tutus. (With images) | Black swan ...

Posteriormente al diseño de los trajes de “El cisne negro” Rodarte volvió a trabajar con el coreógrafo de la película Benjamin Millepied en la obra Two Hearts para el New York City Ballet.

TWO HEARTS (2012) por Rodarte

También en Buenos Aires tenemos ejemplos de esta relación, uno de ellos es el diseñador Pablo Ramirez, quien no solo trabajó como partido para algunas de sus colecciones con estéticas tomadas del ballet sino que también desarrolló vestuario para varias obras siendo “Zeppelin” una de ellas.

Los bocetos del vestuario de Zeppelin

Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín “Zeppelin” vestuario de Pablo Ramirez

Por último, algunas colecciones de moda recientes en las que podemos reconocer la influencia de la danza resignificada en varios de sus aspectos: la escena, el entrenamiento, la música, etc.

Maria Grazia Chiuri para Christian Dior RTW SS2019

ACNE Studios SS2019

El lago de los cisnes por John Galliano para Maison Margiela AW2019

Recomendamos ampliar con:

Emma (2020): Fecha de Estreno en Perú + Posters in 2020 (With ...

Emma. (2020) dir. Autumn de Wilde

The Age of Innocence (1993) Original One-Sheet Movie Poster ...

La Edad de la Inocencia (1993) dir. Martin Scorsese

Nuevo poster de Black Swan | Más allá de Orión

Black Swan (2010) dir. Darren Aronofsky

 

Bibliografía consultada:

  • The Origins of Ballet. Victoria and Albert Museum
  • Google Arts & Culture
  • Historia del traje en occidente: desde los orígenes hasta la actualidad. François Boucher
  • Encyclopedia of Clothing and Fashion. Valerie Steele (ed)
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A TRAVÉS DE UNA VENTANA

A TRAVÉS DE UNA VENTANA

La ventana se convirtió en estos días en nuestra principal vía de contacto, tanto real como virtual, con lo que pasa afuera de nuestras casas. Nos sirve para enmarcar y definir aquello sobre lo nos gustaría conocer más. Salir por las ventanas para ver qué hay ahí afuera, o entrar por ellas para espiar espacios interiores, domésticos o palaciegos, íntimos o familiares. Una excusa que nos permite asomarnos a estilos en el traje de los últimos dos siglos.

La ventana es un tema muy presente en la pintura del Siglo XIX y a propósito de esto reproducimos un fragmento perteneciente a la exposición Rooms with a View: The Open Window in the 19th Century

Esta exposición se centra en un tópico atesorado por los románticos: la vista a través de una ventana abierta. Los artistas alemanes, franceses, daneses y rusos tomaron el tema por primera vez en la segunda década del siglo XIX. Yuxtaponiendo cerca y lejos, la ventana es una metáfora del anhelo incumplido. Los pintores destilaron este sentimiento en imágenes de habitaciones desocupadas y silenciosas con figuras contemplativas, estudios con artistas trabajando, y ventanas abiertas como motivo único.

Todo a la distancia se convierte en poesía: montañas distantes, personas distantes, acontecimientos distantes, todo se vuelve romántico” — Novalis, 1798

Marie Denise Villers 1801

El vestido chemise de muselina de algodón blanco que llevan las mujeres retratadas en la imagen superior, fue el protagonista del guardarropas femenino durante los primeros años del Siglo XIX.

Chemise (ropa interior) de izq a der: lino y algodón 1780 – lino 1840/59 – algodón 1880s

Su nombre deriva de la prenda de uso íntimo que le da origen: una camisa larga de algodón o lino usada como primera piel debajo de los pesados vestidos durante más de trescientos años. Tres procesos fundamentales dieron lugar a este cambio tan radical en el traje femenino: la mejora e incremento en la producción de textiles de algodón que trajo la Revolución Industrial, la mirada neoclásica en el arte del Iluminismo, y el abandono de la exuberancia y ostentación asociadas al Antiguo Régimen derrocado por la Revolución Francesa.

Caspar David Friedrich “Woman at the Window” 1822

Con el transcurso de los años, y ante las crecientes muertes por tuberculosis debidas a la poca protección corporal del chemise de muselina, los vestidos fueron retomando el uso de textiles más pesados y cubritivos. Podemos ver este cambio en la mujer de verde, si bien mantiene las características principales de la silueta del primer cuarto del Siglo XIX: talle alto marcado debajo del busto y falda larga con pliegues y de caída natural sin ahuecador.

Georg Friedrich Kersting “In Front of the Mirror” 1827

Reggie Darling: Reggie Out & About: "Rooms With A View" Opening at ...

Emilius Bærentzen “The Family Circle” ca. 1830

Christoffer Wilhelm Eckersberg “The Artist’s Two Daughters” 1852

El fuerte contraste entre las últimas tres imágenes nos muestra la diferencia entre la liviandad y despojo de las prendas vestidas en la intimidad del dormitorio y lo complejo y recargado de los conjuntos retratados en situaciones sociales como se ve en la sala de “The Family Circle”. En pocos años vemos como el entalle del vestido va descendiendo hasta ubicarse nuevamente en la cintura, confirmando así la vuelta al uso del corset que se mantiene hasta inicios del Siglo XX.

También conocemos con el nombre de chemise o camisero al vestido abotonado en el frente producto de la fuerte influencia norteamericana sobre el traje durante el Siglo XX. Con origen en el conjunto de camisa y falda, generalmente de algodón y usado mayormente por enfermeras por ser práctico y lavable, durante la Primera Guerra Mundial se convirtió en el uniforme de la Cruz Roja y otras organizaciones que necesitaban ropa funcional para sus trabajadoras.

Avisos de los años 30s mostrando vestidos camiseros para la práctica de golf

Pulcro y sentador, acompañó al entusiasmo de la posguerra por los deportes activos, y en la década de 1920, se adaptó a vestidos para el golf y el tenis.

La tenista francesa Suzanne Lenglen en los años 30

Revista LIFE mayo 1938

Un clásico del estilo estadounidense, en versiones con falda voluminosa siguiendo los dictados del New Look o con ajustada falda tubo también bajo lineamientos de Dior, se convirtió en el más elegido por el ama de casa de los años 50.

Serbin of Florida – Vogue April 1958

VOGUE EEUU 1950 – 1955 – 1959

 

Rear Window (1954) Movie Poster – My Hot Posters

REAR WINDOW (La ventana indiscreta) 1954 – Alfred Hitchcock

En el film “La ventana Indiscreta” un reportero gráfico (James Stewart) a veces acompañado por su bella novia modelo (Grace Kelly) y su enfermera (Thelma Ritter), obligado a permanecer en reposo con su pierna enyesada, procura escapar al tedio de su convalecencia contemplando desde la ventana de su apartamento el otro lado del patio. El vestuario de la película fue diseñado por Edith Head, quien trabajó en varias películas dirigidas por Alfred Hitchcock.


En las ilustraciones de Edith Head vemos algunos de los conjuntos diseñados para Grace Kelly, entre los que se encuentra un vestido camisero que se adapta al glamuroso estilo New Look característico de la época. También vemos el vestido camisero en el personaje de la enfermera aunque en este caso se trata de un modelo muy simple y con hombros rígidos que nos recuerda un poco al estilo utilitario de los años 40.

Hitchcock's 'Rear Window' Still Thrills 1954 | Grace kelly, Rear ...

En una escena de la película se la puede ver a Grace Kelly leyendo una revista Harper’s Bazaar, sin embargo es la revista VOGUE quien hace unos años se inspiró en “Rear Window” para uno de sus editoriales de moda.

Even this fresh take on oldschool glamour wont distract our hero . On Murphy Dolce Gabbana cotton dress 2475 select...

VOGUE abril 2013 Fotografía: Peter Lindbergh // Edición de Moda: Grace Coddington

“Era el verano de 1960, y una mañana eché un vistazo por la ventana de mi estudio en Manhattan y noté que el edificio de enfrente se estaba preparando para la demolición. Mirando el diseño de las ventanas vacías, se me ocurrió una idea: poner a una mujer con ropa colorida en cada una de las aberturas.” comenta Ormond Gigli acerca de la imagen que sigue, su foto más famosa.

Ormond Gigli “Girls in the Windows” 1960 New York

Treinta años más tarde podemos encontrar guiños a esta famosa fotografía en el corto cinematográfico filmado en el hotel “Le Carlton” para promoción del perfume “Egoiste” de CHANEL dirigido por Jean-Paul Goude.

Recomendamos ampliar con:

Y ver la película:

I've never seen ... Rear Window | Film | The Guardian

Rear Window (La ventana indiscreta) 1954

Bibliografía consultada:

  • Rooms with a View: The Open Window in the Nineteenth Century
    Rewald, Sabine (2011)
  • Google Arts & Culture
  • Encyclopedia of Clothing and Fashion. Valerie Steele (ed)
  • 1950s American Fashion. Jonathan Walford
Nuestras redes:
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HERMANAS EN LA MODA Y EN EL CINE

HERMANAS EN LA MODA Y EN EL CINE

HERMANAS COLIN

A mediados del siglo XIX, con la expansión de las publicaciones populares ilustradas, así como los catálogos de venta de indumentaria, la ilustración de moda proliferó. Editoriales y agentes franceses proveían figurines de moda de calidad a gran escala para publicaciones en el extranjero.

Colin Heloise Leloir – Vestido de hogar y de visita 1860

Las artistas mejor documentadas y más prolíficas de mediados del siglo XIX fueron las hermanas Colin, Heloise Leloir, Anais Toudouze y Laure Noel, quienes hábilmente transmitieron los detalles de vestimenta necesarios en escenas tradicionales  y evocadoras. Las ilustraciones de moda estadounidenses, a veces modificadas de originales franceses, como en Godey’s Ladies’ Book y las publicaciones de Mme Demorest, podían ser aún más cotidianas, incluyendo en la escena objetos domésticos.

Colin Laure Noël “The Englishwoman’s domestic magazine” 1863

Colin Anais Toudouze – Vestidos de noche 1864

HERMANAS MARCH

El estilo de los años representados por las hermanas Colin, adaptado al gusto americano, podemos encontrarlo en la novela Little Women de Louisa May Alcott cuya primera publicación fue en 1868. La novela cuenta, de manera biográfica ficcionada, la historia de las hermanas March, cuatro jovencitas que vivían en un pueblo de Nueva Inglaterra en tiempos de la guerra civil norteamericana.

Louisa May Alcott circa 1880 (Photo by Hulton Archive/Getty Images)

Abigail May Alcott, una de las hermanas de la autora, es en quien está basado el personaje de Amy. La menor de las hermanas, caprichosa e interesada en la moda y el arte, es quien accede a viajar y estudiar pintura en Europa. La ilustración que sigue corresponde a la primera edición de la novela y fue realizada por Abigail May.

Little Women (1868) ilustración de Abigail May Alcott

El estilo de vestimenta, fuertemente diferenciado entre los personajes que protagonizan la historia, podemos verlo trasladado con cierta visión contemporánea al vestuario de la última versión cinematográfica dirigida por Greta Gerwig.

 

 

 

 

 

La vestuarista de la película es Jacqueline Durran cuyos trabajos incluyen al menos otras dos historias de hermanas en diferentes momentos históricos Pride & Prejudice – Orgullo y Prejuicio  (2005) y Atonement – Expiación, deseo y pecado (2007) ambas dirigidas por Joe Wright.

HERMANAS CALLOT

La casa de alta costura parisina Callot Soeurs fue fundada en 1895 por cuatro hermanas, Marie Gerber, Marthe Bertrand, Régine Tennyson-Chantrelle y Joséphine Crimont en Paris. Las hermanas provenían de una familia artística; su madre era una talentosa creadora y bordadora de encajes, y su padre, Jean-Baptiste Callot, era un artista que provenía de una familia de fabricantes y grabadores de encajes. Antes de abrir el salón de alta costura, las hermanas eran propietarias de una tienda que vendía encajes antiguos, cintas y lencería. Madame Gerber fue generalmente reconocida como la diseñadora principal y había trabajado como modelista para importantes casas de costura. Para 1900, las hermanas Callot empleaban a seiscientos trabajadores y tenían clientes en Europa y América. La inclusión de la casa en la Exposición Universal de París de 1900, donde exhibió vestidos junto a firmas de alta costura venerables como Doucet, Paquin, Redfern, Rouff y Worth, demuestra el lugar respetado de las hermanas dentro de la industria.

La Gazette du Bon Ton 1915

Varios diseñadores, incluida Madeleine Vionnet, comenzaron sus carreras en Callot Soeurs antes de lanzar sus propias casas de alta costura. Según Vionnet, que trabajó en la casa de 1901 a 1907, Madame Gerber era amiga del coleccionista de arte y crítico Edmond de Goncourt, con quien compartía un interés por el diseño rococó oriental y del siglo XVIII. La decoración del salón de las hermanas reflejaba estas dos influencias, y recibieron a sus clientes en una habitación de estilo chino adornada con laca Coromandel, sedas de la dinastía Song y muebles de estilo Luis XV.

Rincón del salón Callot Soeurs

El repertorio de conjuntos de la casa abarcaba ropa de día, trajes a medida y vestidos de noche, pero era principalmente conocida por su etéreas prendas de estilo déshabillé inspiradas en el siglo XVIII y sus exóticos vestidos de noche influenciados por Oriente.

Vestido de noche 1915

Los lujosos vestidos de té de las hermanas, producidos a principios de siglo, estaban confeccionados con seda, gasa y organdí, y a menudo incorporaban costosos encajes antiguos en sus diseños. En la década de 1910 y principios de la década de 1920, las prendas de la casa también se inspiraron en los brillantes colores fauvistas y el diseño oriental que eran una parte vital de la cultura visual de la época. Si bien este estilo exótico se asocia comúnmente con el diseñador Paul Poiret, las hermanas también crearon trajes que incorporaban adornos y técnicas de construcción originarias de Asia y África. Algunos de estos vestidos (a veces denominados túnicas fenicias) integraban elementos de diseño de ambos continentes en una sola prenda. Por ejemplo, una manga de kimono podía formar parte de un albornoz argelino. Madeleine Vionnet recuerda que la adopción de la manga kimono fue la innovación de Madame Gerber y que estaba incorporando la manga cilíndrica en los vestidos de estilo art nouveau a principios de siglo.

Vestido de tarde 1922

La casa Callot es la encargada de proveer el vestuario de la actriz Elsie Ferguson en la película muda “The Avalanche” de 1919.

Elsie Ferguson “The Avalanche” 1919

Elsie Ferguson “The Avalanche” 1919

HERMANAS FONTANA

Zoe, Micol y Giovanna Fontana nacieron en Traversetolo, cerca de Parma, Italia. Aprendieron a coser y confeccionar de su madre, Amabile Fontana, quien abrió su propia sastrería en 1907.
En la década de 1930, Zoe, la mayor de las tres, dejó Traversetolo para convertirse en aprendiz en Milán y luego en Paris. Luego de estas experiencias, y una vez juntas en Roma, las hermanas sintieron que estaban listas para emprender negocios por sí mismas. Aunque las modas francesas aún dominaban el mundo de la alta costura, las hermanas abrieron su propio taller en Roma en 1943, cambiando el nombre de “Fontana” a “Sorelle Fontana” y los principales miembros de la aristocracia italiana pronto comenzaron a patrocinarlo.
Sin embargo, su clientela romana no habría sido suficiente para cimentar la reputación de las hermanas Fontana si Hollywood no hubiera descubierto Italia y la dolce vita romana en la década de 1950.

Uno de los eventos que ayudó a asegurar su reputación internacional fue el matrimonio de los actores de Hollywood Tyrone Power y Linda Christian, cuyo vestido de novia diseñaron las hermanas Fontana. La ceremonia se celebró en la basílica de Santa Francesca Romana en Roma en 1949. El vestido estaba hecho de satén blanco con una cola de cuatro metros y estaba cubierto con bordados, como el vestido que podría haber usado una princesa de cuento de hadas.

La prensa internacional cubrió el evento y aparecieron fotografías de la ceremonia y una radiante Linda Christian en periódicos de todo el mundo. A partir de ese momento, las hermanas Fontana comenzaron a diseñar para muchas de las estrellas más conocidas de Hollywood, desde Ava Gardner hasta Elizabeth Taylor, Grace Kelly, Margaret Truman (hija del presiden