Cuerpo, distancia y protección: Un recorrido histórico

En tiempos de pandemia la moda se resignifica y trabaja sobre las nuevas nociones de protección. En este recorrido histórico exploraremos ejemplos de distanciamiento social, resguardo y defensa.

Las mascaras del teatro griego.

La vestimenta en Grecia se basaba en el tipo de pensamiento racional ideal que caracterizaba a la civilización. Las prendas se producían de forma artesanal y eran un actividad de interior. La técnica utilizada era el drapeado y partían de formas geométricas básicas, un ejemplo de esto es el quitón conformado por dos paños que se unían por los hombros con fíbulas (pequeños ganchos que se utilizaron hasta la aparición del botón). Está túnica también se utilizaba por los actores en las representaciones teatrales. Para diferenciarse se crearon dos tipos de accesorios: el calzado denominado coturnos que enfatizaban la altura y las máscaras que resaltaban los rastros y comunicaban el tipo de obra si era  tragedia, comedia o sátira a través de la expresión facial.

Estas máscaras llegaron a tener un gran tamaño, solían ser de mayor escala comparando con  la cabeza del usuario para que pudieran verse desde la distancia y poseían complejas formas de funcionamiento en donde la forma interior podía mejorar el volumen vocal del actor.

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Máscara de Comedia – 3er – 2do siglo AC – The J. Paul Getty Museum

Las corazas romanas.

Una de las civilizaciones con mayores avances en cuanto a indumentaria y accesorios de guerra es sin dudas la romana. Con antecedentes en el traje militar en los Etruscos incorporaron grandes avances por su amplia trayectoria y sus interminables victorias. La prenda defensiva del soldado romano era la coraza o también conocida como cuirass o peto de bronce. Esta lamina de bronce se moldeaba con la forma del cuerpo y podía llevarse con la cota de malla, un tejido metálico que proveía aún mayor protección. Este modo de protección ha sido resignificado por diseñadores como Paco Rabanne en los 60s.

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Cuirass –  400 – 301 a.C. – Museo arqueológico de Granada.

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Vestido de malla metálica creado por Paco Rabanne en 1966. Foto: Gunnar Larsen.

Los tocados medievales.

Durante la Baja Edad Media los tocados femeninos comenzaron un camino ascendente en búsqueda de una silueta esbelta y lánguida, el propósito de tales accesorios yacía en imitar la altura de las catedrales góticas y sus arcos ojivales. Estás volumétricas piezas llegaron a tamaños extremos teniendo que ser reguladas por las leyes suntuarias del momento.

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Tocado con redecillas denominadas templers y velo. Infanta Beatriz de Portugal – Iglesia de Fitzalan, Sussex.

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Tocado Hennin – Retrato de dama joven pintado por Hans Memling del díptico Alegoría del verdadero amor (ca. 1485).

El verdugado Renacentista.

El surgimiento y las clases poderosas de los siglos XV y XVI fueron la coyuntura propicia para el comienzo de una silueta recargada y rígida, característica del periodo. Las prendas interiores se endurecieron y dieron lugar al nacimiento del verdugado, una estructura de forma cónica o tambor que creaba volumen en las faldas. Poseía ciertas variantes en su construcción según el país de origen y se armaba en conjunto al cuerpo o corset.

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Recreación de tipos de verdugado realizados por el Shakespeare’s Globe Theatre de Londres.

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Marcus Gheeraerts el Joven:  Ana de Dinamarca con verdugado tipo tambor (1611-1614), óleo sobre lienzo, Woburn Abbey.

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Lady Macbeth vestuario de Thierry Mugler – 1985

Los Panniers y el vestido a la francesa.

La corte francesa fue de las más adeptas a los continuos cambios de la moda y una de las que fomento las extravagancias en el vestir. Durante el siglo XVIII aparecieron los panniers o tontillos que eran unas estructuras que se llevaban sobre los laterales del cuerpo debajo de la falda para crear volumen de forma horizontal. Llegaron a ser tan anchos que las mujeres debían pasar de costado por las aberturas y puertas. Esta moda tuvo su fin a finales de siglo XVIII cuando Maria Antonieta cambio hacia un estilo más natural que daría lugar al vestido redondo de principios del Neoclasicismo.

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Mantua Escocesa – 1750 – 1770 – Museo Nacional de Escocia.

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Thom Browne – Colección 2020.

Capotas del siglo XIX.

Un clásico modelo de las películas de Jane Austen, la capota era el acento perfecto para el vestido chemise. Con sus amplias alas laterales cubría el rostro y alejaba pretendientes indeseados. Podían estar confeccionadas con tejido de mimbre o forradas en telas como satén o terciopelo, se decoraban con flores, moños y cintas en tonos pastel. En una carta de Jane Austen a su hermana Cassandra la autora expresa sus deseos de realizar su propia capota: “La próxima semana comenzarán mis operaciones en mi sombrero, del cual sabes que dependen mis principales esperanzas de felicidad”.

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Poke Bonnet – Capota – Met Museum – 1850

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“Les Invisibles en Tête-à-Tête”, a French satire on the poke bonnet (called “invisible” in French), 1810s. No. 16 in the series of engravings, “Le Suprême Bon Ton” (probably from the 1810s).

Crinolinas y Polisones.

Si hablamos de distanciamiento social el siglo XIX es uno de los mejores ejemplos para mostrar cómo la silueta femenina permitía alejarse del resto de la población. La crinolina, una estructura cilíndrica que se utiliza por debajo de la falda, llegó a su popularidad a mediados del siglo. Este accesorio fue imprescindible en la moda romántica y se mantuvo en pleno auge hasta la década de los 70s cuando comienza a cambiarse hacía el polisón. El estilo victoriano de fin de siglo adopto un sistema de conjunto más serio y austero marcado por el luto de la reina Victoria. Las amplias y románticas crinolinas desaparecieron haciendo lugar a una novedosa estructura que solo dará volumen a la parte de atrás de la silueta. Se realizaron en distintos materiales como almohadillas y aceros flexibles para mayor comodidad y desaparecieron con la llegada del siglo XX.

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Caricatura sobre el uso de la crinolina: An Excusable Error: Chickens believe they have found the cage where they were raised (Une Erreur Excusable) – Honoré Daumier1857 – Davison Art Center, Wesleyan University – Middletown, Estados Unidos

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Vestido con polisón- Dress with bustle – Vestido con polisón 1884-1886 – Met Museum

Sombrero rueda de carro – Belle Epoque.

La década más opulenta y exótica del siglo XX promovió una silueta sinuosa en forma de reloj de arena que puede verse representada en las fotografías de la actriz Camille Clifford, también denominada Gibson Girl por las famosas ilustraciones de Charles Dana Gibson. Los vestidos con cola latiguillo se completaban con un amplio sombrero que se llamo Cart Wheel Hat (Rueda de carro) porque por sus amplias dimensiones parecía más un accesorio para el automóvil que para vestir.

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Fotografía de Mademoiselle Lautelme con sombrero rueda de carro.

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Cart Wheel hats – Belle Epoque.

Ballet Triádico – Bauhaus.

Llegados los 20s comenzamos a ver una nueva oleada de experimentación dada por el fin de la primera guerra que abre camino a una era de modernidad, cargada de aceleración, progreso y optimismo. La escuela de artes y oficios Bauhaus poseía variados talleres en donde los alumnos expresaban las nuevas ideas para un nuevo mundo. Un destacado profesor fue el director del Ballet Triádico Oskar Schlemmer que permitió a los alumnos manifestarse a través de las prendas creando vestuario a partir de siluetas extra corporales que revisitaban la noción de cuerpo como soporte, el color y la materialidad. Sus presentaciones fueron y son grandes influencias en el vestuario de cantantes, performers y artistas visuales.

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Vestuarios Ballet Triádico – Bauhaus.

La era espacial de los 60s y sus accesorios.

El boom de la juventud en los 60s tuvo un claro objetivo, diferenciarse del mundo adulto y proponer nuevas temáticas de diseño joven. Los nuevos materiales como el pvc, el poliéster, el vinilo y técnicas de estampado simples como la sublimación aportaron color y frescura a los diseños. Una de las temáticas más recurrentes de lo diseñadores fue el fanatismo por la era espacial marcada por el comienzo de la guerra fría y la llegada a la luna por parte de Estados Unidos en 1969. Cascos de tipo espacial, botas metalizadas, amplios tapados traslúcidos eran recurrentes en las colecciones de André Courreges, Paco Rabanne, Pierre Cardin y Mary Quant. 

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Conjunto de André Courrèges , fotografía de Peter Knapp, 1965.

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Celia Hammond y Pattie Boyd con cascos de fieltro diseñados por Edward Mann. Foto de  John French, 1965.

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Jean Shrimpton por Richard Avedon, 1964.

La exageración de los 80s.

Una amplia línea de hombros caracterizo la silueta femenina y masculina durante la década de los 80s. Diseñadores cómo Claude Montana y Thierry Mugler llevaron al extremo la extravagancia y opulencia del power dressing característico de la era. Los trajes sastres llegaron a medidas inverosímiles y dieron lugar al accesorio del momento: las hombreras. Como expresa Thierry Mugler en una de sus entrevistas sobre su éxito durante los 80s: “La moda es una película. Todas las mañanas cuando te vistes, te diriges a ti mismo”.

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Desfile de  THIERRY MUGLER, PRÊT-À-PORTER, COLLECTION AUTOMNE-HIVER 1995-96 À PARIS EN MARS 1995, FRANCE. COURTESY OF GETTY IMAGES.

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Claude Montana – Década de los 80s.

Repensando el cuerpo: los 90s y Rei Kawakubo.

Si bien la diseñadora Rei Kawakubo formó parte de la primera oleada de diseñadores durante la década de los 80s, su forma de re trabajar el cuerpo con novedosos sistemas de sostén, siluetas extra corporales y formas arquitectónicas lograron expandirse durante la primera etapa de los 90s influenciando a una amplia generación de diseñadores que ya no volvería a pensar la silueta sin la experimentación. Trajes que toman volúmenes inauditos, protuberancias que emergen por fuera de los estándares de belleza occidental y estructuras sólidas que llevan el cuerpo a una obra de arte son algunos de los aportes de una de las diseñadoras que más trabajaron el distanciamiento social tanto en la moda como en la vida personal.

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Retrospectiva en el Met sobre Rei Kawakubo – Art of the In-Between Met Gala 2017.

HERMANAS EN LA MODA Y EN EL CINE

HERMANAS EN LA MODA Y EN EL CINE

HERMANAS COLIN

A mediados del siglo XIX, con la expansión de las publicaciones populares ilustradas, así como los catálogos de venta de indumentaria, la ilustración de moda proliferó. Editoriales y agentes franceses proveían figurines de moda de calidad a gran escala para publicaciones en el extranjero.

Colin Heloise Leloir – Vestido de hogar y de visita 1860

Las artistas mejor documentadas y más prolíficas de mediados del siglo XIX fueron las hermanas Colin, Heloise Leloir, Anais Toudouze y Laure Noel, quienes hábilmente transmitieron los detalles de vestimenta necesarios en escenas tradicionales  y evocadoras. Las ilustraciones de moda estadounidenses, a veces modificadas de originales franceses, como en Godey’s Ladies’ Book y las publicaciones de Mme Demorest, podían ser aún más cotidianas, incluyendo en la escena objetos domésticos.

Colin Laure Noël “The Englishwoman’s domestic magazine” 1863

Colin Anais Toudouze – Vestidos de noche 1864

HERMANAS MARCH

El estilo de los años representados por las hermanas Colin, adaptado al gusto americano, podemos encontrarlo en la novela Little Women de Louisa May Alcott cuya primera publicación fue en 1868. La novela cuenta, de manera biográfica ficcionada, la historia de las hermanas March, cuatro jovencitas que vivían en un pueblo de Nueva Inglaterra en tiempos de la guerra civil norteamericana.

Louisa May Alcott circa 1880 (Photo by Hulton Archive/Getty Images)

Abigail May Alcott, una de las hermanas de la autora, es en quien está basado el personaje de Amy. La menor de las hermanas, caprichosa e interesada en la moda y el arte, es quien accede a viajar y estudiar pintura en Europa. La ilustración que sigue corresponde a la primera edición de la novela y fue realizada por Abigail May.

Little Women (1868) ilustración de Abigail May Alcott

El estilo de vestimenta, fuertemente diferenciado entre los personajes que protagonizan la historia, podemos verlo trasladado con cierta visión contemporánea al vestuario de la última versión cinematográfica dirigida por Greta Gerwig.

 

 

 

 

 

La vestuarista de la película es Jacqueline Durran cuyos trabajos incluyen al menos otras dos historias de hermanas en diferentes momentos históricos Pride & Prejudice – Orgullo y Prejuicio  (2005) y Atonement – Expiación, deseo y pecado (2007) ambas dirigidas por Joe Wright.

HERMANAS CALLOT

La casa de alta costura parisina Callot Soeurs fue fundada en 1895 por cuatro hermanas, Marie Gerber, Marthe Bertrand, Régine Tennyson-Chantrelle y Joséphine Crimont en Paris. Las hermanas provenían de una familia artística; su madre era una talentosa creadora y bordadora de encajes, y su padre, Jean-Baptiste Callot, era un artista que provenía de una familia de fabricantes y grabadores de encajes. Antes de abrir el salón de alta costura, las hermanas eran propietarias de una tienda que vendía encajes antiguos, cintas y lencería. Madame Gerber fue generalmente reconocida como la diseñadora principal y había trabajado como modelista para importantes casas de costura. Para 1900, las hermanas Callot empleaban a seiscientos trabajadores y tenían clientes en Europa y América. La inclusión de la casa en la Exposición Universal de París de 1900, donde exhibió vestidos junto a firmas de alta costura venerables como Doucet, Paquin, Redfern, Rouff y Worth, demuestra el lugar respetado de las hermanas dentro de la industria.

La Gazette du Bon Ton 1915

Varios diseñadores, incluida Madeleine Vionnet, comenzaron sus carreras en Callot Soeurs antes de lanzar sus propias casas de alta costura. Según Vionnet, que trabajó en la casa de 1901 a 1907, Madame Gerber era amiga del coleccionista de arte y crítico Edmond de Goncourt, con quien compartía un interés por el diseño rococó oriental y del siglo XVIII. La decoración del salón de las hermanas reflejaba estas dos influencias, y recibieron a sus clientes en una habitación de estilo chino adornada con laca Coromandel, sedas de la dinastía Song y muebles de estilo Luis XV.

Rincón del salón Callot Soeurs

El repertorio de conjuntos de la casa abarcaba ropa de día, trajes a medida y vestidos de noche, pero era principalmente conocida por su etéreas prendas de estilo déshabillé inspiradas en el siglo XVIII y sus exóticos vestidos de noche influenciados por Oriente.

Vestido de noche 1915

Los lujosos vestidos de té de las hermanas, producidos a principios de siglo, estaban confeccionados con seda, gasa y organdí, y a menudo incorporaban costosos encajes antiguos en sus diseños. En la década de 1910 y principios de la década de 1920, las prendas de la casa también se inspiraron en los brillantes colores fauvistas y el diseño oriental que eran una parte vital de la cultura visual de la época. Si bien este estilo exótico se asocia comúnmente con el diseñador Paul Poiret, las hermanas también crearon trajes que incorporaban adornos y técnicas de construcción originarias de Asia y África. Algunos de estos vestidos (a veces denominados túnicas fenicias) integraban elementos de diseño de ambos continentes en una sola prenda. Por ejemplo, una manga de kimono podía formar parte de un albornoz argelino. Madeleine Vionnet recuerda que la adopción de la manga kimono fue la innovación de Madame Gerber y que estaba incorporando la manga cilíndrica en los vestidos de estilo art nouveau a principios de siglo.

Vestido de tarde 1922

La casa Callot es la encargada de proveer el vestuario de la actriz Elsie Ferguson en la película muda “The Avalanche” de 1919.

Elsie Ferguson “The Avalanche” 1919

Elsie Ferguson “The Avalanche” 1919

HERMANAS FONTANA

Zoe, Micol y Giovanna Fontana nacieron en Traversetolo, cerca de Parma, Italia. Aprendieron a coser y confeccionar de su madre, Amabile Fontana, quien abrió su propia sastrería en 1907.
En la década de 1930, Zoe, la mayor de las tres, dejó Traversetolo para convertirse en aprendiz en Milán y luego en Paris. Luego de estas experiencias, y una vez juntas en Roma, las hermanas sintieron que estaban listas para emprender negocios por sí mismas. Aunque las modas francesas aún dominaban el mundo de la alta costura, las hermanas abrieron su propio taller en Roma en 1943, cambiando el nombre de “Fontana” a “Sorelle Fontana” y los principales miembros de la aristocracia italiana pronto comenzaron a patrocinarlo.
Sin embargo, su clientela romana no habría sido suficiente para cimentar la reputación de las hermanas Fontana si Hollywood no hubiera descubierto Italia y la dolce vita romana en la década de 1950.

Uno de los eventos que ayudó a asegurar su reputación internacional fue el matrimonio de los actores de Hollywood Tyrone Power y Linda Christian, cuyo vestido de novia diseñaron las hermanas Fontana. La ceremonia se celebró en la basílica de Santa Francesca Romana en Roma en 1949. El vestido estaba hecho de satén blanco con una cola de cuatro metros y estaba cubierto con bordados, como el vestido que podría haber usado una princesa de cuento de hadas.

La prensa internacional cubrió el evento y aparecieron fotografías de la ceremonia y una radiante Linda Christian en periódicos de todo el mundo. A partir de ese momento, las hermanas Fontana comenzaron a diseñar para muchas de las estrellas más conocidas de Hollywood, desde Ava Gardner hasta Elizabeth Taylor, Grace Kelly, Margaret Truman (hija del presidente Harry S. Truman), Jackie Kennedy y Maria Pia di Savoia (una de las hijas del último rey de Italia, Umberto de Savoia) fueron algunas de sus clientas habituales.

Micol Fontana y Ava Gardner 1954

En 1960, a pedido de los clientes estadounidenses, introdujeron una línea de prêt-à-porter. El lanzamiento de este producto fue seguido por una línea de pieles, paraguas, bufandas, bijouterie y mantelería.

Vestidos de lino 1963

Los diseños de las Fontana, aunque hacían referencia a modelos franceses, se inspiraron en los modos de vestir del siglo XVIII y del Renacimiento. Los diseños de las hermanas eran conocidos por su artesanía: bordados, encajes y sastrería impecable eran característicos de sus prendas. Se especializaron en ropa formal y vestidos de noche y utilizaron los materiales más preciados, como la seda y el terciopelo. Sus ideas provenían de una amplia variedad de fuentes, pero los diseños, en su mayor parte, eran de inspiración italiana.

HERMANAS LISBON

En este recorrido cronológico de hermanas destacadas en la historia de la moda y el cine cerramos con las adolescentes protagonistas de la novela de Jeffrey Eugenides “The Virgin Suicides”. Llevada al cine en 1999 por Sofia Coppola, “Las vírgenes suicidas” cuenta la historia de un grupo de amigos obsesionados con cinco hermanas misteriosas extremadamente protegidas por sus padres estrictos y religiosos en los suburbios de Detroit a mediados de la década de 1970.

El vestuario de la película fue realizado por Nancy Steiner, conocida por trabajar con las principales bandas de los 90s definiendo su estilo para los video clips: R.E.M., Red Hot Chili Peppers, Smashing Pumpkins, Stone Temple Pilots, No Doubt y Nirvana.

La sensación de confinamiento del hogar se extiende a la vestimenta. Sus prendas diarias consisten en uniformes escolares cuadrados y tradicionales. Para el baile de graduación, su madre está tan angustiada por el crecimiento de sus hijas que agrega franjas de tela a sus vestidos ya deslucidos.

Los vestidos largos y pálidos, salpicados de flores apenas visibles, se parecen a los vestidos de “Gunne Sax”, populares entre las adolescentes y sus madres en los años setenta. Por lo general, con varios volados y cuello alto, los vestidos evocaban nostalgia por la vida en la pradera del siglo XIX. Este estilo es actualmente resignificado por The Vampire’s Wife, el proyecto de Susie Cave.

The Vampire’s Wife

Abundan las historias de hermanas en la moda y en el cine, pero no podemos dejar de nombrar a las hermanas Kate y Laura Mulleavy de Rodarte y a las mellizas Ashley y Mary Kate Olsen de The Row. Ambas marcas nacidas en los primeros 2000, establecidas en California y New York respectivamente, con estilos tan opuestos como las costas de su país.

¿Conocen otras hermanas destacadas por su trabajo en el cine y la moda? Pueden contarnos comentando en esta publicación

 

Recomendamos ampliar con:

Y ver las películas:

Mujercitas 2019

 

Las vírgenes suicidas 1999

 

Bibliografía consultada:

  • Paris Fashion: A Cultural History. Valerie Steele
  • High Style: Masterworks from the Brooklyn Museum Costume Collection. Metropolitan Museum of Art
  • Il Disegno dell’alta moda italiana, 1940-1970. De Luca
  • Encyclopedia of Clothing and Fashion. Valerie Steele (ed)
  • Google Arts & Culture
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Diez modas escandalosas que marcaron la Historia.

A partir del siglo XVI la moda marcó los distintos periodos a través de siluetas y prendas que en muchas ocasiones resultaron escandalosas. Quizás parezcan inofensivas en el mundo actual pero causaron gran revuelo cuando se introdujeron. Las formas de vestir pueden fomentar cambios sociales y la muerte de ciertas convenciones, en este post veremos ejemplos de prendas que marcaron nuevos tiempos y crearon una impresión duradera.

1- El Gaulle de María Antonienta.

Si existe un personaje atrayente para la historia del traje es sin dudas Maria Antonieta. La moda fue siempre una de sus debilidades y en cada elección vestimentaria causó revuelo para la monarquía que desaprobó muchas de sus desiciones así como también para la sociedad parisina.

Hacia fines de siglo XVIII en un afán por mostrarse más simple dadas las presiones sociales del periodo, la reina opto por vestir con textiles novedosos creados en Inglaterra y que poseían una característica provocadora, su translucidez. En la obra de 1783 de Le Brun, el vestido denominado Gaulle realizado en muselina propone una silueta despojada de los grandes decoros de la corte y con una impronta de ropa interior. La obra causo disgusto en la monarquía y tuvo que ser re-pintada por el artista cambiando el atuendo por uno que se adapte a las reglas de la corte.

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Marie Antoinette por  Le Brun en sus dos versiones de 1783.

2- El vestido Chemise.

Siguiendo la sintonía de la revolución francesa, el primer periodo del siglo XIX formalizo el uso de los textiles translucidos que había propuesto la abatida reina de Francia. El chemise, un vestido realizado en percalina o muselina, de talle alto, mangas cortas y larga falda se volvió popular entre las mujeres aristocráticas. La prenda dejaba poco para la imaginación, se llevaba sin corset lo que se consideró casi desnudez y fue retratado de forma caricaturesca durante los años que perduro.

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Vestido Chemise, Costume Parisien.

3- El Corset del Romanticismo.

A mitad de siglo XIX el corset volvió a escena con nuevas características de flexibilidad y “comodidad” propuestas por los avances de la confección durante la revolución industrial. En el caso del corset romántico y luego de estilo victoriano se profundizó el ajuste en el sector de la cintura llegando a medir 42 cms. Si bien fue cambiando de forma hasta su desaparición a principios de siglo XX, promovió una silueta opresiva para el cuerpo de la mujer y se mantuvo en la polémica durante todo el siglo. Médicos y grupos cómo la Sociedad del vestido Racional insistieron en su desaparición siendo en gran parte artifices del cambio que se logró a partir de la Belle Epoque.

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Corset del siglo XIX, Museo Victoria & Albert de Londres.

4- El retrato de Madame X

Madame X o Portrait of Madame X es el título de un retrato de John Singer Sargent basado en una joven socialité, Virginie Amélie Avegno Gautreau, esposa del banquero francés Pierre Gautreau. Fue pintada no como una comisión, sino a pedido de Sargent. La obra original y sus estudios previos proponían a la mujer con un vestidos negro de finos breteles. Sobre uno de los hombros el brete caía insinuando una sensualidad que fue recibida con escándalo en la sociedad parisina acusándola de indecente. El pintor al igual que Le Brun tuvo que rehacer la obra para cumplir con las convenciones sociales de finales de siglo XIX.

Madame X por John Singer Sargent.

 

5- Bloomers

La activista Amelia Bloomer propuso a mediados de siglo XIX una prenda que permitiera mayor comodidad a las mujeres a la hora de practicar deportes. La revolución industrial traía grandes inventos como el perfeccionamiento de la bicicleta pero era muy difícil para las mujeres poder disfrutar dadas las condiciones de su silueta que incluían la crinolina y el corset. Bloomer creo un pantalón de amplio volumen que pudiera simular la silueta extra corporal de las faldas del momento pero que a su vez permitiera a las mujeres pedalear sin ataduras. La prenda causo controversia y fue desechada por promover un estilo masculino en las mujeres. A finales del siglo,  acompañada por la sociedad del Vestido Racional, Bloomer volvió a imponer su idea, esta vez con éxito.

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Modas femeninas para ciclistas.

 

6- The LBD – El vestido negro.

La opulencia de la Belle Epoque llegó a su fin con el nuevo estereotipo de la mujer estilo Garconne luego de terminada la primera guerra. La silueta de los 20s instalaba un falda corta por debajo de la rodilla, brazos al descubierto y pocas curvas. La diseñadora Gabrielle “Coco” Chanel impuso el vestido negro de lineas simples creando una de las prendas comodín y más famosas de la historia de la moda. El LBD causo revuelo por sus líneas simples y el uso del color negro que hasta el momento estaba asociado preferentemente con el luto.

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LBD por Chanel

 

7- New Look de Dior

En 1947 Christian Dior presenta su primera colección la cual denomino Corola. Inspirado en la flor y con reminiscencias de la Belle Epoque y el Rococó instaló la famosa silueta New Look. Una vuelta a los grandes metrajes de tela, que habían sido racionados durante la guerra, y un traje de hombros suaves y redondeados causaron gran revuelo. Por un lado la sociedad parisina se escandalizo al ver que la moda podía volver a su glamour y a los grandes gastos textiles dada la situación económica de posguerra llevando a muchas mujeres y hombres a manifestarse en la entrada de la Maison del diseñador. Por otra parte la silueta del New Look dejaba atrás la independencia y comodidad de los 20s, un retroceso que pudo atenuarse con la reaparición de Coco Chanel en 1955.

New Look de Dior 1947 – Ropa interior Warner’s 1957.

8- La Bikini

La búsqueda de comodidad en la practica deportiva femenina también se produjo en las prendas para la playa. La primera etapa del siglo XX tuvo una amplia propuesta de tipologías que fueron dejando mostrar el cuerpo y textiles que fueron perfeccionados para mayor adaptabilidad y secado. A partir del fin de la segunda guerra hace su aparición el traje de dos piezas, fue tal el escándalo que se lo apodo bikini por el sitio donde se realizaban las pruebas de la bomba atómica. En palabras de la editora Diana Vreeland: “El bikini es lo más importante desde la bomba atómica, úselo con frecuencia y úselo bien”.

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Brigitte Bardot con su bikini a fines de los 50s

 

9- La Minifalda

La revolución juvenil que marcó la década de los 60s fue uno de los cambios más importantes en cuento a silueta femenina y masculina. Hombres con pelo largo, camisas psicodélicas y sacos tres cuartos de colores vibrantes se oponían al aburrido y serio traje de tres piezas de sus padres. En el caso femenino la mejor demostración de juventud y rebelión se cristalizo en la minifalda. Diseñada por creativos jóvenes como Mary Quant y André Courreges fue sin dudas un emblema de la época y causo más de un revuelo.

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Manifestación a favor de la minifalda.

10- Bondage Punk

Los 70s manifestaron un gran descontento en la juventud a partir de la crisis económica por el petróleo. Los nuevos jóvenes querían mostrarse distintos y por fuera de las modas de los 60s. Vivienne Westwood junto con Malcolm McLaren fueron los creadores de una de las anti modas con mayor controversia del siglo XX: el punk. La provocación, la mirada andrógina y la obscenidad fueron características del movimiento que llegó a su cúspide con la colección inspirada en el bondage. La carga erotica y sexual de las tipologías diseñadas por Westwood marcó el camino de muchos diseñadores y es al día de hoy una estética irreverente y polémica.

Jordan, ícono del punk, con las colección bondage de Vivienne Westwood en su local SEX de la calle Kings Road.

Fuentes consultadas: Google Arts & Culture.

Más info para consultar:

Serie A Stitch in Time, capítulo sobre María Antonieta.

Vestido camisero, modelo del mes. Museo del Traje Madrid.

Underwear. Victoria & Alberts Museum

Inside Chanel

New Look Dior by the V&A

Documental de Vivienne Westwood

 

 

MET GALA – la historia detrás de la alfombra roja

Les contamos que hoy estamos iniciando la publicación de una serie de artículos semanales que iremos preparando y  compartiendo mientras esperamos el inicio de clases. Esta semana le toca el turno a uno de los eventos más comentados del mundo de la moda (pueden ver el artículo completo acá y/o descargarlo en formato PDF cliqueando en el título a continuación)


 

 

MET GALA – la historia detrás de la alfombra roja

Ayer hubiese sido, como todo primer lunes de mayo, el día en que tiene lugar la gala anual del Costume Institute en el Metropolitan Museum of Art de New York. Aprovechamos la fecha para revisar un poco la evolución de este evento y su relación con el estudio de la historia del traje.

Lady Gaga en la Met Gala de 2019 cuyo tema fue “Camp: Notes on Fashion” parafraseando el ensayo de Susan Sontag “Notes on Camp.”

La Gala del Met es un evento benéfico cuyo objetivo es recaudar fondos destinados al Costume Institute (instituto del vestido). Este evento de fama mundial, por la presencia de las máximas celebridades en su alfombra roja, inaugura la  exposición de moda anual del instituto para la cual los invitados a la velada se visten de acuerdo al tema del año. El evento se realiza desde 1948 pero su notoriedad pública -y su recaudación- se incrementó fuertemente en los años setenta bajo la dirección de Diana Vreeland, y vuelve a hacerlo desde fines de los noventa con Anna Wintour, tal vez las dos figuras más trascendentes en el ámbito editorial de la moda.

Algunas de las temáticas más destacadas en la historia de la exhibición anual fueron:

Alexander McQueen: The Horn of Plenty, (el cuerno de la abundancia) otoño/invierno 2009–10

  • retrospectivas sobre los más importantes diseñadores: Balenciaga, Yves Saint Laurent, Alexander McQueen, entre muchos otros
  • relación entre la moda y el arte: “Cubismo y Moda”; moda y danza: “Diaghilev – Vestidos y Diseños de los Ballets Russes”; o moda y cine: “El Diseño Romántico y Glamoroso de Hollywood”
  • inspiración en culturas no occidentales: “La Gloria del Vestido Ruso”, “China – A Través del Espejo”; o en subculturas: “Punk Del Caos a la Alta Costura”
  •  estilos de períodos históricos: “Le Belle Époque”, “De Reina a Emperatriz – El Vestido Victoriano 1837/1877”, “Relaciones Peligrosas – Moda y Mobiliario del Siglo XVIII”

About Time: Fashion and Duration

Surreal, David Bailey, 1980. “About Time: Fashion and Duration” 2020

Precisamente acerca de la historia y el tiempo trata el tema de este año “About Time: Fashion and Duration”, cuya traducción es un juego semántico entre “acerca del tiempo” y “ya es hora”: moda y duración.

Andrew Bolton, el curador de la exhibición, citó como inspiración para este año la obra literaria de Virginia Woolf y la película Orlando (1992) dirigida por Sally Potter y basada en la novela de Woolf del mismo nombre.

Acá pueden ver un video de presentación de la muestra de este año.

Y en esta nota de la revista VOGUE van a encontrar una selección de imágenes de la alfombra roja de los últimos años en los que se resignifican períodos históricos con siluetas que van desde mediados del Siglo XIX hasta fines del Siglo XX.

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